Cette section concerne les trois premiers singles sortis par Pink Floyd.

Ce fut une période de grand changement pour le groupe. Ils sont passés d’un groupe populaire qui jouait des reprises pop et de la musique « facile à digérer » à un groupe qui expérimentait le son et défiait les auditeurs avec leur nouveau style.

Sorti en 1997, ce mini CD contient les 3 premières chansons de chacun des deux 45 tours. Il tire son nom de sa capacité à collecter les trois premiers disques 45 tours (face A et face B).

Il comprend les indispensables « Arnold Layne » et « See Emily Play », mais « Candy And A Currant Bun » et « Apples and Oranges ».

Donovan est très prolifique en cette année hautement psychédélique : pas moins de trois albums, dont ce double ! Un monument du « Flower Power »… avec le recul, presque jusqu’à la carricature, mais la sincérité de l’époque est indéniable, et toutes ces chansons courtes sont magnifiquement ficelées !

John Mayall et son british blues désormais classique… Un album composé de chansons courtes de très bones qualité. L’événement est constitué par l’arrivée de Peter Green comme lead guitar.

Second album et seconde pièce maîtresse d’un oeuvre qui ne ressemble à rien de connu dans l’univers rock de l’époque, le bien-nommé « Absolutely Free » confirme une démarche intellectuelle foisonnante et forte. Zappa débusque la bêtise humaine jusque dans ses derniers retranchements. Musicalement, capable de tout, il saute d’un genre à l’autre avec une aisance déconcertante… Des titres déstructurés qui rendent l’ensemble d’un accès plutôt difficile.

« after bathing at baxter’s » n’est pas une sorte de symphonie rock. L’album se présente comme une sorte de suite et s’écoute d’une traite. C’est un disque à tiroirs, mais avec de l’acide lysergique sans fond qui coule dans les veines du groupe. « After Bathing At Baxter’s » n’est pas une sorte de symphonie rock. C’est un disque à tiroirs.

Après avoir triomphé au Festival de Monterey et surtout grâce à leur « Surrealistic Pillow » sortit quelques mois auparavant, l’Airplane devient le groupe phare de San Francisco. Le monde entier attend avec impatiente le prochain voyage : ce sera celui d’After Bathing at Baxter’s… album de légende pour une époque de légende…!

Des chansons toujours d’aussi grande qualité. Mais on sent les personnalités s’affirmer au dépend peut-être d’un réel travail de groupe. Ainsi les styles personnels de Neil Young (« Expecting to Fly » ou « Broken arrow ») et Steve Stills (« Mr. Soul », « Everydays », « Bluebird », « Rock and roll woman ») apparaissent très nettement, tandis que Richie Furay compose et se réserve l’interprétation des morceaux les plus folk (« Sad memory »).

A l’instar de son père, Arlo Guthrie entamme très tôt une carrière de folk-singer engagé. « Alice’s Restaurant » deviendra en 69 un film (d’Arthur Peen) où Arlo tiendra son propre rôle : instantané et document cocasse sur les aléas et mésaventures de la vie hippie… Pour retrouver l’esprit de l’époque : à connaître impérativement !

« Alice’s Restaurant » est la chanson parfaite d’Arlo Guthrie pour se sortir de l’école de folk dans laquelle il était coincé. C’est une longue chanson, plus de 18 minutes, mais que cela ne vous rebute pas. Cette chanson est plus qu’une simple ballade de protestation ; c’est l’histoire fascinante d’un homme qui a eu beaucoup de mal à devenir un succès du jour au lendemain.

Le premier disque de Jimi Hendrix est évidemment un événement considérable, d’autant plus qu’il atteint déjà la perfection !… Puisant ses sources dans le blues essentiellement, avec une formation totalement basique (guitare, basse, batterie) Hendrix réinvente tout, donne une nouvelle dimension à la guitare. Plus rien ne sera désormais comme avant.

En décembre de l’année qui avait vu exploser la première bombe, Hendrix sort ce nouveau chef-d’oeuvre ! Poésie, sensibilité, finesse, intelligence, virtuosité, participent à la création d’un univers musical… Mais tout a déjà été dit là-dessus… c’est tout simplement un indispensable, de la première à la dernière seconde !

« Between The Buttons » est un album à part dans la discographie des Rolling Stones, le virage psychédélique qui amènera « Their Satanic Majesties ». La marque de Brian Jones sur les arrangements est très forte. L’ensemble est très (trop ?) éclectique, on sent les Stones qui se cherchent, influencés par le style des Kinks, des Beatles, voire de Bob Dylan…. Quelques perles éternelles pourtant : « Let’s Spend The Night Together », « Ruby Tuesday » !

. Sorti sous le label Stax en 1967, l’album est conçu avec l’aide de musiciens tout aussi exceptionnels que Isaac Hayes, Booker T et Steve Cropper. Hormis le titre phare, « Born Under a Bad Sign », Albert King se montre éclectique à travers des chansons à tendances Funky « The Hunter » et laisse transparaître sa voix de crooner comme sur « I almost lost my mind »… Un incontournable du Blues !… Chroniqué par Pierre-André Bague

Comme Janis Joplin, Canned Heat est un enfant du Monterey Pop, le premier grand festival historique, dont ils sont l’une des révélations. Le groupe est alors présenté comme une réponse californienne au Paul Butterfield Blues Band de la côte est. Grand popularisateur du blues électrique, Canned Heat comporte un excellent guitariste (Henry Vestine, ex-Mothers of Invention) et se fait remarquer grâce à ses deux chanteurs et harmonicistes : Bob Hite (la voix grave), et Alan Wilson (la voix aiguë)…

C’est Christa Paffgen alias Nico rebaptisée à cause d’un amant français et poète au tout début des 60’s. Nico, mannequin de prestige telle qu’on la voit dans la Dolce Vita de Fellini, juste avant le single sur Immediate « I’m not sayin » et la B side « Last mile » écrite, produite et jouée par Jimmy Page et l’amant de passage Brian Jones. Encore très loin du caractère austère et désolé de « Marble Index » et « Desertshore », les albums de la dérive. Chroniqué par Fred Weber

Pour la petite histoire : premier album à proposer un morceau occupant une face entière du disque vinyl !… Mais, bien au delà de l’anecdotique, Love, mené par son fantasque leader Arthur Lee est un incontournable monument de la scène californienne. Le groupe va marquer l’histoire avec deux albums d’antholgie en 1967, dont ce « Da Capo ».

On l’oublie parfois, mais David Bowie, né en 1947, commence à enregistrer très tôt comme en atteste la compilation « Early On (1964-1966) ». Ses premiers essais, dans des genres très variés (façon Kinks, Who ou Rolling Stones), sont tous des flops commerciaux. Il faut donc attendre 1967 pour voir la sortie de ce premier album consistant, plutôt pop, mais dont bon nombre de titres sont devenus cultes pour les adeptes.

L’album a été enregistré dans un studio situé au 20 Forthlin Road, à Londres. Le studio appartenait à Gus Dudgeon, qui a également aidé à concevoir les sessions de l’album.

L’une des premières expériences probantes de rapprochement entre le rock et la musique classique. Les Moody Blues, en panne d’orientation à la suite de plusieurs changements de personnel, s’étaient vus proposer par leur label d’enregistrer avec grand orchestre une démo pour un nouveau procédé de stéréophonie… Cela débouchera sur cet album aux accents grandioses, le style deviendra dès lors leur marque de fabrique… et « Nights in white satin » l’un des plus gros tubes de tous les temps !

Le très bon premier album de Cream restait très marqué par le blues. Mais le groupe donne avec « Disraeli Gears » toute la mesure de son talent en affirmant son originalité… Marqué par le psychédisme ambiant (voir la pochette !), un grand disque du mythique trio… et Clapton va devenir « God » !

L’album est sorti en novembre 1967. L’album est un mélange de styles blues, jazz, psychédélique et hard rock. L’album a été classé 47e sur la liste des 500 meilleurs albums de tous les temps de Rolling Stone.

Il a été classé 47e sur la liste des 500 meilleurs albums de tous les temps de Rolling Stone.

Country Joe McDonald a le sens de la formule : le titre de cet album est un véritable programme du psychédélisme ! Il faut dire qu’il est un leader évident, très engagé politiquement. Chanteur de folk rock au départ, il se distingue dans les années 60 avec l’électrique (et très électrisé !) Fish, et ce détonnant premier album.

Country Joe and the Fish était un groupe de rock psychédélique américain formé à Berkeley, Californie en 1965. Le groupe avait un catalogue de six albums, ils sont : Electric Music for the Mind and Body (1967), I-Feel-Like-I’ m-Fixin’-to-Die/Fish Cheer (1968), Here We Are Again (1969), Memories of West Marin (1970), Together Again (1973) et Close to Home (1980).

Le premier album du groupe est Electric Music for the Mind and Body, qui est sorti en 1967. L’album a été caractérisé comme un croisement entre le folk rock, la musique country, le rock psychédélique et le blues.

Premier groupe multi-racial anglais, influencé par le ska, The Equals marque les années 60 avec une grosse série de singles et de hits dont le plus fameux demeure le très célèbre « Baby Come Back ». Cette ré-édition de 1996 rassemble leurs deux premiers albums aujourd’hui introuvables. Le leader chanteur guyanais Eddy Grant réapparaîtra en solo et dans les classements avec de très bons albums à fin des années 70 et dans les années 80.

Le départ d’Alan Price sonne quasiment le glas pour les Animals. La période trouble semble s’achever quand Eric Burdon reforme le groupe sous le nom de The New Animals. Mais la messe est dite et cet album (au titre évocateur) est clairement une transition vers son parcours solo. Carré et homogène, peu novateur mais plutôt plaisant, « Eric Is Here » est totalement porté (sauvé ?) par la prodigieuse voix soul du chanteur.

Eric Burdon et les ANIMAUX ont sorti un album studio en 1967, intitulé « Eric Is Here ». L’album est sorti à une époque où il y avait un intense activisme social sur la guerre du Vietnam.

Cet album a été enregistré à la fin de 1966 et au début de 1967, après que Burdon ait quitté le spectacle New Animals pour former son propre groupe. Il présente sa voix de marque sur de nombreuses pistes. Les enregistrements Is Here ont été à un moment donné considérés comme le modèle de ce qui est devenu connu sous le nom de musique heavy metal.

La première sortie du groupe était « Eric is Here », qui comprenait des chansons telles que « Rockin’ House » et « Good Times ». Cette chanson a été reprise par de nombreux autres artistes à ce jour, dont Creedence Clearwater Revival.

Les Hollies enregistrent en 67 ce qui est considéré comme l’un des sommets de la musique psychédélique anglaise. Graham Nash va bientôt quitter le groupe pour émigrer vers les Etats-Unis et connaître le succès phénoménal qu’on sait avec « Crosby, Stills & Nash ».

Moins connu en Europe que Foreigner par exempe, Journey, immensément populaire aux USA dans les années 80, s’inscrit dans le même segment « rock FM ». Le guitariste Neal Schon avait été membre de Santana au début des années 70. Le chanteur Steve Perry rejoint le groupe en 1977. « Infinity », puis « Evolution » ouvrent alors une série d’albums à la production lêchée et la grande période du groupe.

Sans avoir fait un véritable « carton » à sa sortie, cet album est devenu avec le temps un grand classique, très régulièrement cité comme l’un des grands moments de l’histoire du rock. Il faut dire que rien n’est tape à l’oeil ici, tout est subtilité discrète… un génie musical qui se révèle au fil des écoutes : allez, disons… à la deuxième !

Cet album éponyme de 1967 est probablement le meilleur de Fred Neil. Il contient deux de ses titres les plus fameux « The Dolphins » et « Everybody’s Talkin' ». Cette dernière chanson fait le tour de la planète lorsqu’Harry Nilsson la reprend l’année suivante. Mais curieusement Fred Neil se laisse doucement glisser dans l’anonymat à partir de 1968, limitant son activité à quelques concerts pour ses proches… jusqu’à sa disparition en 2001 des suites d’un cancer.

Considérés comme les Beatles australiens, les Easybeats concurencent ces derniers, ou les Hollies, avec un beau succès sur la terrain de la pop dès 1965. Friday on My Mind, leur sommet, est cependant très largement distancé techniquement par le Sgt. Peppers de la même époque. L’un des leaders du groupe, George Young, n’est autre que le frère aîné de Malcolm et Angus Young du futur AC/DC.

Personnage sensible, original, fort et lucide, remarquable chanteur, Tim Buckley n’a pas vraiment été reconnu par le public rock de son époque. Il deviendra pourtant un artiste culte après son décès prématuré en 75… Parti du folk, ses sources musicales iront ensuite vers le jazz (l’excellent « Happy Sad ») et la soul (« Greetings from L.A. »).

L’album s’ouvre sur « The Parade », une chanson sur la vie qui passe devant eux et qui s’en va comme la parade. Il continue à décrire de nombreux aspects différents de la vie au fur et à mesure qu’elle passe. La chanson se termine avec Tim parlant de ses souvenirs de son fils Jeff, qui sont réconfortants pour lui à certains égards mais aussi douloureux à d’autres.

Le premier album du « Dead », qui va devenir un groupe majeur de la scène californienne, est essentiellement constitué de reprises. Il apparait aujourd’hui plus comme un collector… Pourtant tout le talent du groupe y est déjà visible, le feeling, l’incomparable touché de guitare de Jerry Garcia et la formidable bande de musiciens.

Les Turtles de Mark Volman et Jim Pons (qui rejoindront plus tard les Mothers Of Invention de Zappa) ont connu plusieurs succès mondiaux dans la deuxième partie des années 60, notamment la (très festive !) chanson titre de cet album.

Ça ressemble aux Beach Boys, ça ressemble aux Beatles (c’est fait pour), mais c’est si bien fait et les Monkees font un effort évident pour prendre en main leur destin artistique… En cette année 67, ils apportent à l’histoire un contribution non négligeable : au retour d’une tournée triomphale en Angleterre, ils ramènenent de Londres aux USA, dans leurs bagages, un certain… Jimi Hendrix !

Très proche du blues originel et génial interprète des grands maîtres du genre (Willie Dixon, Elmore James, Howlin’ Wolf, John Lee Hooker…), John Hammond va dérouler une très longue et belle carrière. Pour ce fameux « I Can Tell » il s’adjoint les services de deux éminences du rock, Bill Wyman le batteur des Stones et Robbie Robertson du Band.

Originalité : après avoir rendu hommage à Grace Slick (Jefferson Airplane) sur l’album précédent (« Grace »), c’est ici le tour de Janis Joplin (« Janis ») !… Mais pour l’essentiel, Country Joe et son Poisson créé ici l’hymne emblématique de la lutte contre la guerre du Viet-Nam : la chanson titre « I Feel Like I’m Fixin’ to Die ».

Country Joe and the Fish était un trio composé du chanteur/guitariste/auteur-compositeur Country Joe McDonald, du guitariste David Bennett Cohen et du batteur David Cohen. Ils étaient parmi les groupes les plus populaires au Monterey Pop Festival de 1967.

Le son du groupe était enraciné dans le rock mais s’inspirait du jazz, du blues, de la musique folk, de la musique de jug band et de la musique orientale. La chanson « I Feel Like I’m Fixin’ to Die Rag » est une chanson de protestation ragtime contre l’escalade de l’implication des États-Unis dans la guerre du Vietnam malgré le président Lyndon B. Johnson

Dans la production garage et psychédélique californienne, ce premier album des Electric Prunes reste mémorable. Il marque en tous cas la décénie suivante jusqu’aux punks qu’ils anticipaient assez largement. « I Had Too Much To Dream » est l’un hit de l’année aux USA, aussitôt suivi de « Get Me To The World On Time »… Erratique, le groupe disparaîtra en 1970 alors qu’il ne lui reste plus aucun de ses membres originaux.

Le vendredi 16 juin, The Association est à l’honneur en ouvrant le Festival de Monterey. Mais cette occasion d’entrer définitivement dans l’histoire est balayée ce soir-là par une bombe qui brûle les planches peu de temps après, un certain Jimi Hendrix. Et il en sera ainsi, The Association, malgré des qualités énormes et une grosse contribution aux techniques de studio, malgré les nouveaux hits « Wendy » et « Never My Love », restera un groupe largement sous-estimé… Défaut d’image peut-être ?… Il se dissoudra en 1973.

L’Association a sorti huit albums au cours de ses 12 ans de carrière. La seule chanson numéro un du groupe sur le palmarès Billboard Hot 100 était « Windy » qui est sorti en 1968. La chanson parle d’une relation qui a pris fin lorsque le chanteur dit à son partenaire à la fin d’une soirée qu’il part, et elle ne le reverra pas tant que le vent ne se sera pas calmé.

L’Association s’est dissoute en 1970 mais s’est réunie pour deux autres albums et concerts de 1972 à 1974 avant de se dissoudre définitivement.

Rien de révolutionnaire dans cet album, juste de bon morceaux magnifiquement interprétés. Une formation rock de base, la voix parfaite de Johnny Rivers, l’ambiance chaude d’un club américain… cela suffit à faire de ce live un document dont on ne se lasse pas… inusable comme le bon vieux rock de là-bas !

Terrassé par un accident de moto, brisé physiquement comme moralement, Dylan est tenu à l’écart de toute activité musicale pendant plusieurs mois. Il se recueille, se retrouve, dans les allées de son ranch. Les albums, à la tonalité très folk, qui suivent le présentent apaisé. Ce ne sont plus en tous cas ceux d’un leader moral, un rôle qu’il refuse désormais d’assumer.

Un remarquable duo… le dernier album studio pour Otis Redding. Le 10 décembre de cette même année, son avion s’écrase, tuant avec lui plusieurs de ses musiciens. Quelques jours avant cela, il enregistre ce qui sera l’un de ses plus gros succès (postume) « Sittin’ On The Dock Of The Bay » (repris en français par Bill Deraime : « Assis sur le bord de la route »).

Bien sûr à l’époque le disque s’est planté. Malgré la douce éxubérance des couleurs de la pochette, malgré l’adéquation avec l’air ambiant les gens ont zappé « Kites are fun » des Free Design. Pourtant on avait affaire là à une sorte de produit idéal, à la foi délicat et étincelant, insouciant et profondément plombé. Les Free Design, une sorte de Mamas and Papas East Coast qui aurait troqué sa « Sunshine Pop » pour une option dark et surréaliste. Chroniqué par Fred Weber

Lorsque Jimmy Page rejoint les Yardbirds, le groupe est nettement sur le déclin. Page qui avait, tout d’abord, été engagé comme bassiste prend finalement la guitare. C’est une période troublée. Le jeu brillant du futur fondateur de Led Zepplin n’y changera rien. Le groupe va bientôt se dissoudre.

Sorti quelques mois après « Sgt. Pepper’s », « Magical Mystery Tour » (bande sonore du film du même nom) n’affiche pas la même homogénéïté mais apparaît plus comme une compilation de chansons diverses. Pourtant, les Beatles sont toujours autant en avance sur leur temps avec notamment les audaces de John Lennon (« I’m the walrus » et « Strawberry fields forever »).

‘était la bande originale d’un film du même nom. L’album a atteint le numéro un dans divers pays, dont l’Australie, le Canada et les États-Unis.

Le film était une parodie des récits de voyage typiques d’Hollywood, tout comme l’album de musique. Il contient des paroles absurdes qui sont chantées d’une voix optimiste sur un fond de musique psychédélique.

Certaines des meilleures chansons de cet album sont « I Am The Walrus », « Magical Mystery Tour », « The Fool On The Hill » et « Your Mother Should Know ».

Né « Steven Demetre Georgiou », d’un père grec et d’une mère suédoise, Cat Stevens est à peine âgé de 18 ans lorsqu’il enregistre ce premier album, précédé par plusieurs singles qui grimpent dans les charts anglais (« Matthew & Son » est n°2 en janvier 67). Richement orchestré, ce n’est pas encore le son dépouillé qu’on lui connaîtra. Le chanteur contracte l’année suivante une tuberculose qui l’écarte de la scène et l’amène à totalement reconsidérer sa démarche artistique.

« Mellow Yellow », est l’album qui impose définitivement Donovan comme l’un des grands songwriters anglais des années 60. L’ensemble des arrangements, souvent jazzy, est soigneusement écrit par un certain John Paul Jones (futur Led Zeppelin) sauf les parties de guitare basse… qu’il tient lui-même ! Paul McCartney prête également sa voix… « Mellow Yellow », le titre, est évidemment l’un des tubes historiques de la pop.

Pierre Henry n’appartient évidemment pas à la mouvance rock. Pourtant, au moment où sort le premier Pink Floyd, il marque fortement l’année avec cet album écrit pour un ballet de Béjart et l’énorme tube qu’est « Psyché Rock »… Sa musique « concrète », électronique et avant-gardiste, est pionnière et beaucoup le considèrent comme le véritable « père de la techno ».

Richie Havens est un très attachant folk singer noir. Chanteur engagé, dans la tradition du protest song, il fait ses débuts à Greewich Village, La Mèque du folk nord américain. Une voix profonde et chaleureuse. Guitariste original, il créé l’attraction : ses fameux barrés avec le pouce et sa rythmique extraordinaire, il en fait un véritable instrument de percussion (cf. son « Freedom » à Woodstock) !

Moby Grape, injustement oublié, est peut-être en 1967 la meilleure formation de la scène californienne. Mais c’est Le Grateful Dead ou le Jefferson Airplane – à la durée de vie il est vrai plus longue – dont l’histoire retiendra les noms. Ce premier album est un chef-d’oeuvre absolu de folk-rock psychédélique. Une référence avouée pour Tom Waits, Beck, et même Led Zeppelin !

Au milieu des années soixante, tous les groupes sont fortement marqués par le psychédélisme, les anglais y compris, et Traffic, le nouveau groupe de Steve Winwood, ne fait pas exception. Les musiciens vivent alors en communauté. Ce premier album, avec ses accents de comédie musicale, est évidemment une originalité.

Fan des Yardbirds, Julie Driscoll rencontre leur manager, Giorgio Gomelsky, qui l’encourage à se lancer dans une carrière de chanteuse. Elle fait des débuts en starlette pop, puis rejoint l’éphémère Steempacket. A la séparation du groupe, elle poursuit une collaboration avec Brian Auger, s’oriente vers le jazz et se fait plus expérimentale. Le tandem créé avec « Open » et son successeur, « Streetnoise », deux grands standards de la première époque du jazz rock.

Tandis qu’il est employé de banque à Los Angeles, Harry Nilsson commence, à temps perdu, à écrire des chansons. Il rencontre Phil Spector et compose avec lui. Plusieurs de ses titres sont alors repris par des artistes de renom (Ronettes, Yardbirds, Blood Sweat & Tears…). Lorsque « Cuddly Toy », enregistré par les Monkees, devient un tube, il se décide enfin à quitter son job et à enregistrer pour lui…

Les West Coast Pop Art étaient un groupe étrange, baignant dans la paranoia et l’acide « premium » en provenance directe des laboratoires Sandoz comme on pouvait s’en procurer en 67, pur à presque 100%… Ils reprennent avec une candeur baroque, sur leur premier skeud sur Reprise, des chansons de Van Dyke Parks, P.F. Sloan ou Frank Zappa. Chroniqué par Fred Weber

Phil Ochs, que l’on croyait indéfectiblement lié à la forme la plus minimaliste du folk, surprend tout le monde en 67 avec la publication d’un splendide album de pop symphonique richement orchestré, parfois jazzy, et des titres qui dépassent les 8 mn !… Une tonalité mélancolique et un discours social moins direct, à chercher dans les illustrations subjectives.

Si le contenu de la production du groupe deviendra plus tard très « chanson », Procol Harum s’inscrit dans les précurseurs du rock progressif avec ses fréquentes références à la musique classique et ses compositions aux accents majestueux. La carrière du groupe sera très largement écrasée par le succès phénoménal de « A Whiter Shade of Pale », sorti quelques mois plus tôt, et qui ne figurait pas sur l’édition originale de cet album.

Attraction du milieu underground londonien, les Deviants livrent avec ce premier album une étonnante et excellente curiosité avant-gardiste, une sorte de croisement entre les Mothers Of Invention et Syd Barrett. L’expérience n’est pas du tout anecdotique puisque plusieurs membres du groupe se retrouveront bientôt au sein des Pink Fairies.

Né en 1935, Terry Riley va devenir l’une des éminences de la musique expérimentale contemporaine d’après-guerre. Spécialiste du minimalisme et des boucles électroniques, il influence les débuts de Soft Machine, les groupes allemands des années 70, et le rock bien au delà… Les Who lui rendent hommage, sous forme de clin d’oeil, en plagiant son travail pour l’intro du fameux « Baba O’Riley » de « Who’s Next ».

L’un des meilleurs albums du groupe, avec les succès de « Reach Out » ou « Bernadette »… A cette époque, la reprise des chansons des Four Tops fait, en France, les belles heures du répertoire d’un certain Claude François ! (« It’s The Same Old Song », « Reach Out »…)

Un blues électrique sans faille et un bon grain de folie : la complicité et les affinités avec Zappa, que le groupe accompagnera, sont ici déjà bien évidentes. « Safe as milk », premier album du groupe de Don VanVliet, est généralement considéré comme l’un des meilleurs d’une discographie… où l’on trouve aussi l’inévitable « Trout Mask Replica » !

C’est une pièce de forme libre qui commence par un pincement de guitare aigu et se termine par un riff de guitare électrique descendant qui cède la place à « Tropical Hot Dog Night ». Cette deuxième partie commence par sonner comme un morceau de blues typique, mais se brise rapidement dans un territoire plus expérimental. Il comprend des voix de Beefheart et de Frank Zappa.

Album de légende, longtemps considéré comme LE meilleur disque de tous les temps !… Il est vrai qu’à sa sortie c’est une véritable bombe par la perfection quasi absolue de la production (merci Georges Martin !). Quand on connaît les moyens techniques de l’époque, c’est tout simplement fabuleux. Pourtant certaines chansons pourraient sembler un peu faibles (« Good morning » ou « Lovely Rita »)… Tout le reste ce sont d’authentiques « diamonds in the sky » !

Pour cet album, ils avaient prévu un projet ambitieux qui était censé être une performance musicale continue mettant en vedette leurs chansons et avec d’autres artistes populaires de l’époque.
Pour y arriver, ils ont dû répéter pendant près de six mois avant que l’enregistrement ne commence. Ces sessions ne portaient pas seulement sur la pratique des performances, mais aussi sur des techniques expérimentales telles que les effets sonores et l’improvisation qui ont fait que certaines chansons n’ont jamais été jouées en direct car elles ne pouvaient pas être reproduites sur scène. »

L’album a été classé comme l’un des plus grands albums de tous les temps par de nombreuses publications, dont Rolling Stone, NME et Mojo. Sgt. Pepper est connu pour son utilisation innovante des techniques d’enregistrement multipiste et son utilisation intensive d’instruments électroniques tels que le synthétiseur et le Mellotron, qui étaient relativement nouveaux à l’époque. L’album a été enregistré sur une période de 129 jours à partir d’avril 1966.

Brian Wilson était parti sur un nouveau projet d’envergure qui devait s’intituler « Smile ». Mais il sombre dans la dépression et abandonne. « Smiley Smile » sort en remplacement. Original, avec des accents comédie musicale et une complexification extrême des harmonies et des arrangements, il atteste d’une volonté absolue de dépassement… dépassement et sommet qu’il trouve avec « Heroes And Villains » et surtout « Good Vibrations », l’un des titres les plus légendaires de toute l’histoire du rock !

Il a été enregistré avec une contribution minimale de Brian Wilson, qui se remettait encore d’une maladie mentale à l’époque. L’album « Smiley Smile » a un style et un son uniques, car il a été principalement produit par son père, Murry Wilson.

L’excellent « Waterloo Sunset » (la chanson préférée de Ray Davies) marque cet album. A la différence des Who, Beatles ou Rolling Stones, la popularité des Kinks va s’estomper… Peut-être proposaient-il trop tôt « Quelque chose d’autre » ?! car l’influence du groupe va se révéler considérable sur le punk rock des années 70 (Jam) et la brit-pop des années 90 (Blur).

Something Else by The Kinks, souvent appelé simplement Something Else, est le cinquième album studio britannique du groupe de rock anglais The Kinks, sorti en septembre 1967. L’album marque la dernière participation du producteur américain Shel Talmy aux enregistrements studio des Kinks dans les années 1960 ; désormais, Ray Davies se chargera de la production des enregistrements.

Un album de la même veine que le précédent, c’est à dire tout à fait bon… rien à jeter ! Jim Morrison préside et installe le « strange » avec la plus grande maestria et le support absolument sans faille du reste du groupe.

Groupe emblématique de San Francisco, leader et porte-parole, Jefferson Airplane pose ici une sorte de pierre angulaire du flower power californien. « Surrealistic Pillow » est un album essentiel de l’année (par ailleurs très riche) 1967… un incontournable monument des sixties, avec les premiers gros succès du groupe que sont « Somebody to Love », « Today », « White Rabbit ».

Premier album très blues rock pour Ten Years After qui va devenir, pour les quelques années à venir, l’un des groupes qui sera parmi les plus gros vendeurs de disques…

Dès ce premier album, les Doors imposent un style unique et inimitable avec la batterie de John Densmore , issu du jazz, le clavier de Ray Manzarek (qui tape aussi toutes les lignes de basse !), le jeu de guitare si particulier de Robbie Krieger, et bien entendu la voix et la personnalité magistrales de Jim Morrison !

Les Box Tops, avec leur excellent chanteur Alex Chilton, sont des spécialistes de la musique soul blanche. Originaires de Memphis, ils marquent l’année et l’été 67 avec leur tube le plus connu « The Letter ». Ils connaîtront quelques autres succès après, mais ne survivront pas au changement de décénie, ils se séparent en février 70.

L’album « The Letter / Neon Rainbow » du groupe de musique rock « The BOX TOPS » sorti en 1967 est l’une des pièces musicales les plus influentes et les plus réussies commercialement.

Cet album est le reflet de l’énergie et de l’attitude rebelle de la fin des années 1960. Les chansons ont été écrites par le guitariste Alex Call, qui était également responsable de l’écriture de certains de leurs succès précédents. Ils sont surtout connus pour leurs singles à succès comme « The Letter », « Neon Rainbow » et « Sweet Soul Music ». Le groupe s’est séparé en 1971, mais s’est réuni en 1984 avec un nouveau chanteur, Rich Treadway.

En 2015, pour célébrer leur 50e anniversaire en tant que groupe qui a commencé en tant que lycéens jouant dans des danses et des centres commerciaux à travers Memphis, ils ont réalisé un documentaire sur leurs racines intitulé ‘Box Top : A

Un album tendance science-fiction, oeuvre du génie fou Syd Barrett ; « fou » au sens propre, malheureusement, puisque le premier leader du groupe devra bientôt quitter le vaisseau (spacial ?!) pour passer une bonne partie de son temps dans les hopitaux psychéatriques. Reste cet album exceptionnel (précédé par deux singles fabuleux : « See Emily Play » et « Arnold Layne ») et le début d’un groupe à l’influence majeure.

Malgré ses imperfections et son manque d’homogénéité, Le premier album de Nice marque certainement le point de départ du rock progressif (avec le fameux « Days Of Future Passed » des Moody Blues paru la même année). A sa sortie cette première offensive de Keith Emerson ne ressemble à rien de connu. « The Thoughts of Emerlist Davjack » est écartelé entre des mélodies pop, le classiscime d’Emerson et les véléités de Davy O’List, guitariste influencé par Jimi Hendrix, qui quittera le groupe l’année suivante…

Il est impossible d’exagérer l’importance de cet album !… Totalement décallé dans son temps, le Velvet Underground, hôte de la « Sylver Factory » d’Andy Warhol (qui finance l’album… et dessine la banane), invente le rock des décénies suivantes : glam, punk, indie et alternatif sont ici natifs. Flop financier absolu à sa sortie, cet album aura une influence énorme par la suite… Il n’a pas pris une seule ride en quarante ans !

Une pochette punk bien avant l’heure, un bric-à-brac (foutoire ?!) sonore avec des extraits de radios pirates… le plus dégenté des groupes anglais des sixties livre un album concept marqué par une prostective délirante et tous azimuts… Mais dès que ça redevient « sérieux », ça donne des chansons d’une qualité exceptionnelle !

Wilson Pickett au sommet de son art !… Un album remarquablement produit, et de nouveaux titres qui feront date : « Mustang Sally », « Sunny » et le fameux « Everybody Needs Somebody to Love » qui cartonnera à nouveau dans les années 80 avec sa reprise par les Blues Brothers !

L’album le plus contesté par les fans. Il aurait pu s’agir d’un clin d’oeil aux frères ennemis (et néanmoins très bons copains) les Beatles, mais en fait les Stones sont totalement sous influence (certains passages rappellent le premier Pink Floyd, sorti la même année). Ils livrent donc « leur » album psychédélique. L’ennui est parfois au rendez-vous, mais il y a tout de même là-dedans de bien jolies choses, « She’s a rainbow » notamment.

Au milieu des années 60, Herman’s Hermits est l’un des fleurons de la pop anglaise. Parmi leurs très nombreux succès, « No Milk Today » (écrit pour eux par Graham Gouldman, futur fondateur de Ten CC) est évidemment un titre de la décénie. Mais en cette année 1967, la sortie du Sgt. Peppers des Beatles donne au groupe un irrémédiable coup de vieux qui le relègue au rang des jolies choses du passé… des jolies choses dépassées !

Le talent de Tim Hardin éclate sur chacun de ses albums. Chaque chanson est une nouvelle trouvaille… Malheureusement, miné par des problèmes d’alcool et de drogue, il ne connaîtra jamais vraiment la consécration. Il mettra un terme à sa carrière en 73 et disparaîtra des suites d’une overdose en 1980.

En 67, la soul music est aussi touchée par le mouvement psychédélique. Les frères Chambers, s’ils sont un peu tombés dans l’oubli par la suite, ont eu une influence très importante (notamment sur Sly and The Family Stones), et cet album, porté par le gros succès de sa chanson titre, est un fleuron incontournable de l’époque.

Les Chambers Brothers étaient l’un des groupes les plus influents des années 1960. Ils sont connus pour leur chanson à succès « Time Has Come Today ». L’album est sorti en 1967 et a été répertorié sur la liste « The Greatest Albums » de Rolling Stone. Il fait également partie du National Recording Registry, une liste d’enregistrements culturellement ou esthétiquement importants.

Sans doute un peu trop vite oubliée, la formation de l’organiste Mark Stein est une grande pionnière des années 60. Tiraillé entre le classicisme de Stein et le hard des célèbres Bogert/Appice (basse/batterie) le groupe pose les jalons d’une formule qui fera les belles heures des King Crimson ou autres ELP. Le choix des titres de cet album ne manque pas d’originalité, mais leur traitement est remarquable.

Formés en 1964 à New York, les Fugs sont probablement le premier groupe underground de l’histoire. Ils chantent faux, ont des capacités musicales succintes et font le choix (judicieux) du lo-fi absolu. L’essentiel est ailleurs, dans les textes. Amis d’Allen Ginsberg, héritiers directs de la Beat Generation, ils sont libertaires, anarchistes, satiriques et posent, avant les Mothers et Captain Beefheart, les bases de la comédie rock subversive.

Au chapître des artistes archi-connus pour une seule chanson (ou moins connus que cette chanson), Scott McKenzie décroche certainement la timbale avec « San Francisco », ode au Flower Power californien, écrit pour lui par John Philips des Mama’s and Papa’s. Un premier album pourtant très bon avec des reprises intéressantes de Tim Hardin, Donovan et Lovin’ Spoonful.

Un groupe aux potentialités énormes, mais qu’une existence trop brève (de 66 à 68) va relèguer au rang des grands oubliés de l’histoire. Ils représentent pourtant un parfait échantillon de ce qui se fait de mieux aux grandes heures de la pop anglaise. L’excellent Eddie Phillips (utilisant un archet avant Jimmy Page) aurait été contacté par Pete Townshend pour devenir le second guitariste des Who.

Dans le sillage du très psychédélique « Fifth Dimension », cet album représente sans aucun doute un sommet dans le parcours des Byrds. Chris Hillman y prend une importance toute particulière en s’affirmant comme un très talentueux compositeur, c’est évidemment l’élément country du groupe, comme le confirmera la suite de sa carrière.

Les trois premiers albums du groupe étaient considérés comme l’une des combinaisons musicales les plus réussies de chant en harmonie étroite et de jangle de guitare à 12 cordes, mais Younger Than Yesterday avait une orientation plus expérimentale avec plus de musique instrumentale à bord.

Les Byrds ont expérimenté d’autres nouveaux sons, notamment le jazz, le blues et le psychédélisme, ce qui a conduit le groupe à se séparer après cette sortie.