Can va devenir, avec Amon Düül II, l’un des plus impressionnants représentants du rock allemand des années 70. Influencé par le Velvet Underground, « Monster Movie » est une sorte de « White Light/White Heat » qui se voudrait – paradoxe – à la fois plus accessible et plus expérimental. Un son garage et des ambiances qui rappellent les Doors complètent le tableau. Ultime originalité, le groupe de Cologne accueille à ses débuts un chanteur noir américain (Malcom Mooney) !

Disparu à vingt-huit ans, ce chanteur californien a laissé une des oeuvres les plus passionnantes de son temps. L’album « Happy Sad », paru au printemps 1969, marque un tournant dans la carrière de l’angelot Buckley. Accompagné par les mêmes musiciens qu’à ces debuts, il opte pour des arrangements dépouillés, parfois nus au point de ne révéler que la pulsation rythmique, comme sur le très étiré « Gypsy Woman ». Chef D’Oeuvre…

Jack Bruce, l’un des premiers virtuoses de la guitare basse, est aussi un remarquable compositeur. Après la séparation de Cream il ne va pas connaître la gloire médiatique de son copain Clapton, mais il va asseoir sa notoriété et gagner durablement le respect de tous. « Songs for a Taylor », avec sa tonalité originale, ses rythmiques pleines de surprises, est tout simplement une petite merveille !

L’album rassemble des titres enregistrés entre le mois d’août 67 et le mois d’octobre de l’année suivante. Après l’assassinat de Martin Luther King, en 1968, « Say It Loud » (Dis-le fort : « je suis black et fier de l’être ! ») – titre emblématique – devient un hymne et un slogan du « Black Power » et de toute la communauté noire nord-américaine.

Formé en 1968 à Los Angeles, Bread est au départ un trio… Aux accents locaux (Byrds, Buffalo Springfield), le groupe mêle une touche mélodique très Beatles façon McCartney. Son soft-rock ciselé et délicat va connaître un gros succès populaire au début des années 70.

Le second album de David Bowie est très hétérogène, parfois étonnement folk. C’est pourtant l’amorce du grand virage vers la succès grâce à « Space Odity », un premier tube enfin ! (l’album sera ré-édité trois ans plus tard sous le nom de cette chanson)… Les choses « sérieuses » vont alors commencer avec, notamment, le début de la collaboration avec Mick Ronson dont la fabuleuse guitare et la présence scénique vont marquer.

Malgré le départ d’Al Kooper, ce second album est celui de la reconnaissance et des plus grands hits du groupe : « You’ve Made Me So Very Happy », « Smiling Phases » (une reprise de Traffic), « Spinning Wheel »… au milieu de musiciens au top, le chanteur David Clayton Thomas fait merveille.

Mick Abrahams avait été le premier guitariste de Jethro Tull, mais cet élément blues du groupe s’en va précossément après le premier album (« This Was »). Il fonde Blodwyn Pig avec notamment le saxophoniste Jack Lancaster. « Ahead Rings Out » est une belle réussite, à mi-chemin des Bluesbreakers de John Mayall et du Colosseum de l’époque.

Mick Abrahams est très polyvalent, très inspiré, mais il est un peu moins dans ses solos.

Rencontre au sommet pour ce « super groupe » : Eric Clapton, Ginger Baker (Cream), Stevie Winwood et Ric Grech (ex-Family) !… Une formation prometteuse à l’existence trop éphémère. Reste cet album, authentique morceau de la légende, qui pointe directement sur la carrière solo de Clapton et celle de Stevie Winwood avec le groupe Traffic.

Black Pearl est un groupe à la fois garage, funky et psychédélique qu’on a parfois rapproché de MC5, bien qu’il soit originaire de Californie. Il ne lègue à l’histoire que ce seul album studio, plutôt bon et intéressant, où l’excellent chanteur Bernie B.B. Fieldings donne à entendre ce qu’aurait pu être un James Brown accompagné par un groupe de hard rock !

Jeff Beck, Rod Stewart et Ron Wood, sont rejoints sur cet album époustouflant par le fameux Nicky Hopkins, pianiste emminent et légendaire des studios anglais. Jeff Beck est au sommet de sa forme avec son incomparable phrasé, plein de surprise et ravageur… un très grand disque !

Le dernier grand disque des Beatles, le meilleur pour beaucoup. Contre toute attente, en effet, malgré les tensions internes, la magie opère plus que jamais et les chansons de Lennon et McCartney se succèdent et s’enchaînent à merveille, tandis que Georges Harisson livre deux de ses plus belles perles : « Something » et « Here comes the sun ».

Album un peu anecdotique : la bande sonore du dessin animé du même nom (beaucoup plus intéressant, lui, comme document sur le psychédélisme de l’époque). A noter une face entière orchestrée, façon musique classique, par George Martin… plutôt gentil, mais bien joli quand même !

Dans les années 60, le Band était surtout connu pour être le groupe qui accompagnait Dylan sur scène. Il est beaucoup plus que cela et avec ce second album il en fait une démonstration phénoménale. Des arrangements d’une simplicité (apparente) et d’une efficacité sans faille, des mélodies plaintives ou accrocheuses : dans le genre country rock, peut-être tout simplement l’album de référence… un véritable sommet !

Membre fondateur du premier Soft Machine avec Mike Ratledge et Robert Wyatt, Kevin Ayers le quitte assez tôt, emportant avec lui le brin de folie et de nonchalance qui fera vite défaut au groupe. Kevin Ayers est une personnalité originale dans un courant qui se prend généralement très au sérieux. Doué, il chantera en 88 « Je suis paresseux de nature, mais que puis-je y faire ? »… explication d’une belle carrière qui ne décollera pourtant jamais vraiment ?!

Amon Düül (puis Amon Düül II) est, avec les groupes Can ou Tangerine dream, l’un des plus fameux représentants du rock progressif allemand (Kraut Rock) de l’époque. Bien qu’il soit l’un des albums les plus connus, « Phallus dei » reste d’un accès assez difficile, il vaut mieux commencer par « Wolf city » pour découvrir le groupe.

Avec leur cocktail blues-rock/country-music et quelques flirts jazzy, les Allman Brothers vont être un des groupes américains les plus en vue du début des années 70. Ils se distinguent notamment par la fabuleuse guitare de Duane Allman (son jeu de slide incomparable) et la voix de son frère Greg, le clavier de la formation.

Formé en 1966, the 5th Dimension trace rapidement sa voie dans un style proche des Mamas & the Papas. En 69, à l’apogée du succès, leur meddley « Aquarius/Let the Sunshine In » est porté au quatre coins de la planète par la comédie musicale hippie Hair.

Alors que le groupe, de guerre lasse, est séparé depuis un an, Al Kooper le persuade de sortir malgré tout cet album… et c’est un chef d’oeuvre absolu, véritable monument de la pop psychédélique ! Rod Argent et Chris White cumulent ici le sens mélodique des Beatles et la majestuosité des Beach Boys, rien que ça ! « Time of The Season » atteindra le sommet des charts… mais deux ans après son enregistrement !

Frank Zappa poursuit avec les Mothers son oeuvre satirique, cultivant l’art du sketch ou parodiant la comédie musicale. « We’re Only in It for the Money » est l’aboutissement et le grand sommet de cette démarche initiale. Il est ici le premier (avec Pete Towshend ?) à utiliser le mot « punk ». Les bruitages et séquences parlées sont encore nombreux, mais les orchestrations laissent augurer des futurs développements instrumentaux (Hot Rats, The Grand Wazzo…).

De prime abord il y a cette pochette unique : L’âge de l’Aquarius en négatif, blanche, cérébrale, avec cette dominante noire, comme une perception macabre de l’époque. Le L.A des anges exterminateurs, la profusion des sectes, l’état de conscience d’une génération en altération permanente. Un jaillissement psychédelique qui se délite en cadences accélérées. Quelque chose en gestation, une pesanteur… Chroniqué par Fred Weber

Un album totalement sombre (cf. la pochette !) et décalé en son temps. Le velvet fait dans le punk rock bien avant l’heure. Des guitares au son volontairement pourri, une rythmique obsédante et lourde… « Sister Ray » (plus de 17 mn !) s’achève dans une débauche sonore absolue… Détail pas du tout anodin : « Here she comes now » sera plus tard repris en concert par un certain Kurt Cobain !

Leur premier album, White Light White Heat, nous rappelle que le Velvet Underground n’est PAS une bande de clowns. Mais si le premier album nous berce encore de douces mélodies, le deuxième album nous éclate par son radicalisme sans compromis.

Album légendaire du psychédélisme, cette unique production de United States of America fait partie des plus révolutionnaires de la seconde moitié des années 60. Joe Byrd, interpelé par la musique expérimentale d’avant-garde, fonde le groupe en 1967 à l’Université de Californie (UCLA) où il est professeur assistant en musicologie. Il quitte rapidement ce poste pour se consacrer à plein temps à la création… Après la séparation de U.S.A., il formera Joe Byrd and the Field Hippies, dans la même lignée mais avec un retentissement moindre.

Sans vouloir jouer sur les mots, Tyrannosaurus Rex c’est évidemment la préhistoire de T. Rex. Il s’agit d’un duo acoustique formé en 1967 par Marc Bolan et le percussioniste multi-instrumentiste Steve Peregrin Took. Bolan est la cheville ouvrière du groupe. Il créé un univers expérimental et psychédélique assez largement inspiré par la féérie des livres de Tolkien. Cet album est produit et réalisé avec la complicité de Toni Visconti qui fait ici ses premières armes.