électronique

Alan Vega était un pionnier de la musique électronique et protopunk, qui a contribué sa voix aux groupes les plus influents du genre.

En 1964, Alan Vega fonde le groupe synth-punk Suicide. Il est passé de chanteur à auteur-compositeur et a commencé à sortir des albums solo à la fin des années 1970 en mettant l’accent sur l’électro.

Son album « Savage Imagination » a été acclamé par la critique pour son mélange de rock et de musique électronique.

Il a travaillé en tant qu’artiste solo sous différents noms tels que Jet Black Crayon, Al Bee Al Bey et Papa Dada. Son travail avec Suicide a influencé de nombreux musiciens tels que Pavement et David Bowie.

Alan Vega est décédé le 16 juillet 2016 à l’âge de 78 ans des suites d’une insuffisance cardiaque alors qu’il se remettait d’un traitement contre le cancer de la prostate.

The Art of Noise! est une curiosité avant-gardiste du milieu des années 80 initiée par Anne Dudley, Paul Morley et l’ingénieur du son Gary Langan.

The Art of Noise est une compilation du groupe post-disco américain Talking Heads. L’album est le premier projet du leader du groupe David Byrne qui n’était pas une sortie solo.

L’album contient des extraits sonores, des enregistrements de créations orales et des sons trouvés mélangés à des instruments de musique tels que des synthétiseurs et des tambours.

Pour une cacophonie bruyante l’utilisation de boîtes à rythmes et de synthétiseurs, ainsi que d’autres instruments tels que « Close (To the Edit) », « Beat Box (Diversion One) » et « Moments in Love » !

Air est un groupe de musique électronique formé en 1995 par Jean-Benoît Dunckel et Nicolas God.

Leur premier album « Moon Safari » est sorti en 1998. Il a été suivi de « The Virgin Suicides (Original Soundtrack) » en 1999, qui était la partition de l’adaptation par Sofia Coppola du roman du même nom de Jeffrey Eugenides.

Lorsque la « French Connection » a atteint les côtes américaines, elle a donné le coup d’envoi d’un phénomène mondial qui se poursuit encore aujourd’hui. Plus de personnes écoutent « What I Gave Her » que toute autre chanson du duo électronique français Air. Ce n’est pas une musique qui vous inspire. C’est plutôt de la « musique Prozac ». Elle vous submerge, vous met dans un état léthargique où vous ne ressentez pas grand-chose… sauf une vague envie de vous taper la tête contre le mur.

Après de nombreuses années sur la scène underground, Air est devenu l’un des groupes électroniques les plus vendus de tous les temps. Ils sont bien connus pour faire de la musique innovante qui combine le rock avec des éléments électroniques.

Sans renier vraiment ses références musicales, le « caméléon du rock » réussit ici, plus que jamais, à les transcender pour produire son album le plus personnel. Un travail, comme à l’accoutumée, très soigné et, en l’occurence, bien dans l’air du temps avec quelques accents electro-pop.

Né en 1935, Terry Riley va devenir l’une des éminences de la musique expérimentale contemporaine d’après-guerre. Spécialiste du minimalisme et des boucles électroniques, il influence les débuts de Soft Machine, les groupes allemands des années 70, et le rock bien au delà… Les Who lui rendent hommage, sous forme de clin d’oeil, en plagiant son travail pour l’intro du fameux « Baba O’Riley » de « Who’s Next ».

Second album du groupe islandais, « Agaetis Byrjun » (qui peut être traduit comme bon début) voit l’accueil d’un nouveau membre, le pianiste Kjartan Sveinsson qui ne fait que tendre le collectif vers la perfection. Cet album est proche du chef-d’oeuvre dans son genre avec des sons de cordes profonds et lourds. Un « bon début » pour le groupe qui se confirmera par la suite… !

Le phénomène allait se répandre rapidement au début des 60’s, l’impact de L’Ircam et de Pierre Schaeffer, considéré comme un maître à penser par une partie de la faune pop en mal d’exploration. Les gens utilisaient déjà outrageusement le theremin. Les prémisses de la musique industrielle evidemment… La musique pratiquée d’une façon « aléatoire » dans les préceptes de John Cage. La rupture selon l’évolution technologique. Chroniqué par Fred Weber

Can va devenir, avec Amon Düül II, l’un des plus impressionnants représentants du rock allemand des années 70. Influencé par le Velvet Underground, « Monster Movie » est une sorte de « White Light/White Heat » qui se voudrait – paradoxe – à la fois plus accessible et plus expérimental. Un son garage et des ambiances qui rappellent les Doors complètent le tableau. Ultime originalité, le groupe de Cologne accueille à ses débuts un chanteur noir américain (Malcom Mooney) !

« Tago Mago » fait certainement partie des monuments les plus unversels de l’histoire. Ce double album est évidemment un sommet dans l’itinéraire atypique de Can. Difficile à décrire, il culmine avec les presque 20 minutes de l’énorme et tribal « Halleluhwah » : une seule écoute de ce morceau et l’on est atteint par l’imparrable virus qui vous pousse à entrer toujours plus loin dans l’oeuvre foisonnante du groupe !… Un album à réserver donc exclusivement à ceux qui sont prêt réviser tous leurs jugements pour découvrir le sens du mot « créativité » associé à cet autre dont on a déjà vaguement entendu parler : « rock » !

La musique cosmique de Cluster fait partie du paysage sonore du début des années 70, de la tonalité particulière que lui confère les groupes allemands. Expérimental, atonal, arythmique, « Cluster 71 » est un précédent qui anticipe l’ambient de Brian Eno. Le groupe de Dieter Moebius et Hans-Joachim Roedelius se livre alors le plus souvent sur scène à de longues improvisations, pas seulement électroniques : il utilise aussi à l’occasion de véritables instruments… de cuisine !

L’influence de Can va être considérable, sur Depeche Mode, Sonic Youth, Massive Attack… Le groupe anticipe aussi souvent l’ambient et même la techno. Si une telle prouesse est possible c’est que le Can est capable de tout (jeu de mot à part !), même de décrocher un tube, comme ici avec « Spoon » !… Electronique, jazz, pop ou funky, la richesse de la palette est considérable ! Plus condensé et (peut-être) plus accessible que « Tago Mago », cet album est un nouveau chef-d’oeuvre hypnotique et intemporel.

« Future Days », très homogène, renoue avec un univers atmosphérique et space rock relativement en vogue à l’époque. Comme toujours, les compositions du groupe sont magnifiquement soutenues par la batterie de Jaki Liebezeit (dont le bassiste Holger Czukay dira plus tard « C’est pour remplacer des gens comme lui qu’on a inventé la boîte à rythme » !). Plutôt discret ici, c’est aussi le dernier album avec le remarquable chanteur Damo Suzuki qui va quitter le groupe.