Après une tournée européenne remarquée, « U.F.Orb » apparaît un peu comme la troisième face du double album précédent. Il se classe dès sa sortie n°1 en Angleterre. Comme précédement, le duo s’adjoint de nombreuses collaborations, on retrouve ainsi le pionnier des années 70 Steve Hillage.

Cohérent, furieux, direct : « Tostaky » est un grand moment de french rebel music !… une référence. Certainement l’album de la maturité pour le groupe : la voix de Bertrand Cantat est magistrale dans tous les registres, qu’il hurle ou murmure… derrière, le groupe installe avec force ses climats (plutôt orageux !) captivants. Mais il n’y a pas, en fait, de devant et de derrière… tout cela est au contraire saisissant d’unité !

Faisant suite à un brillant, enlevé et très Beatlessien « Giant Normal Dwarf », « Ting » revient à une simplicité extrême, presque austère. Cet album paisible, totalement hors mode, est marqué par le piano de Robert Jan Stips et met aussi en evidence le travail subtile de Rob Kloet aux percus et à la batterie. Une musique assez déroutante pour l’époque mais qui séduit après une toute petite période d’acclimatation.

Avec sa formule inusitée et minimaliste : une basse fretless à deux cordes (Mark Sandman), un sax baryton (Dana Colley) et une batterie (Billy Conway), Morphine créé l’événement. On pense parfois aux Doors ou aux climats dramatiques d’un Nick Cave. Mais le groupe de Boston fait preuve d’une évidente force de création et l’univers, assez jazz, qu’il développe est d’une immense originalité.

Moby est au début des années 90 une figure controversée de la techno. Il est en tous cas l’un des premiers artistes à présenter un visage (humain) dans un genre notoirement impersonnel. Il dépasse les canons du style en y intégrant des éléments et instruments venus du rock. Et pour clôre sur l’originalité du personnage et les sujets qui dérangent, Moby affiche alors une pratique chrétienne quasie dévote et radicale !

Depuis 89 et le fameux « Pretty Hate Machine » de Nine Inch Nails, le rock indu est installé. Alain Jourgensen et Paul Barker y apportent un nouvel essentiel. Précédé par la sortie en single et le hit « Jesus Built My Hot Rod », l’album est, en outre, un virulent playdoyé contre une Amérique corrompue, une patriotisme idiot, l’hypcrisie religieuse… thèmes qui ont un écho certain dans l’ère des présidents Bush père et fils !

L’un des plus grands « live » de l’histoire du rock !… On y retrouve Pat Garrett, l’immense chanteur (par le talent et la taille !) et son groupe dans des concerts enregistrés entre 1982 et 1990 en Australie et à New York (devant le siège d’une firme responsable responsable de marée noire en Alaska !).

Megadeth délivre ici un disque équilibré et riche, poussant encore un peu plus loin le travail entamé sur l’album précédent, « Rust in Peace ». Le groupe est soudé et a maintenant trouvé son équilibre, réussissant l’exploit de faire cohabiter deux des meilleurs guitaristes solo en activité… Chroniqué par Euhlain

Brad Laner est, avec Medicine, l’un des inventeurs de ce qu’on appellera très vite la dream pop. Mais il a déjà, avant cela, une intense activité dans la mouvance indépendante californienne, apparaissant sur plus de 300 albums. A l’intar de My Bloody Valentine, Medicine trouve son style dans un choc antinomique entre des guitares noisy et des mélodies pop.

Malgré une démarche plus commerciale à la fin des années 80 et un carré de fans irréductible, Manowar ne parvient pas à s’imposer vraiment, ce qui entraîne le départ Ross « The Boss ». Mais le groupe garde obstinément le cap (« Mort au faux métal ! ») sans ironie ni second degré, ce qui leur vaut quelques déboires avec la critique (notamment aux USA). Ce « Triomphe de l’Acier » est sans doute l’un de leurs meilleurs albums.

Manic Street Preachers c’est, au départ, plusieurs paradoxes : un look Glam mais une filiation avouée avec les Clash et Sex Pistols, une texture musicale britpop finalement assez formatée mais un contenu lyrique très engagé politiquement (cf. le titre de ce premier album). Ce dernier point fait du groupe un acteur remarquable des années 90. Au détour le disque invite, entre autres, Albert Camus, William Burroughs, George Orwell, Henry Miller et Confucius !…

Cinq ans plus tôt, Ry Cooder (guitare), Nick Lowe (Basse) et Jim Keltner (Batterie) avaient participé à l’enregistrement de « Bring the Family », le gros succès de John Hiatt. L’idée de former un « super-groupe » avec ce dernier est sans doute née à cette époque. Little Village, comme bien d’autres rencontres au sommet, ne va pas durer… Reste cet album solide et carré, appuyé alors par une unique mais belle tournée de concerts.

Véritables successeurs des Pogues, les Levellers écument, depuis leur formation en 1988, les scènes undergrounds et alternatives anglaises avec leur folk rock punky vitaminé. « Levelling the Land », leur second album est un succès marquant (qui leur vaudra une signature avec la major américaine Elektra). « One Way » est alors n° 1 des charts indie anglais et devient leur titre fétiche.

Bien que les compositions d’Evan Dando soient accrocheuses et de qualité, c’est à nouveau avec une reprise que les Lemonheads se rappellent au bon souvenir du public américain : leur version de « Mrs. Robinson » de Simon and Garfunkel, incluse en bonus sur un CD paru peu de temps après l’original, entraîne ce dernier au sommet des ventes.

La carrière solo d’Alvin Lee est sans commune mesure avec le succès considérable de Ten Years After. Mais il demeure une attraction, bien longtemps après la séparation du groupe. « Zoom » fait partie de ses réussites. Parmi les meilleurs moments de l’album on peut relever « Real Life Blues », où George Harrison tient la guitare slide, tandis qu’un autre invité de légende est aux claviers : Jon Lord de Deep Purple… tout cela ne nous rajeunit pas !

On définit parfois Kyuss (prononcer Kai-uss !) comme une sorte de Velvet Underground du métal. Comme ces derniers, ils ne vont connaître aucune réussite commerciale mais vont devenir mythiques, après leur séparation, lorsque Josh Homme (guitare, chant), Alfredo Hernandez (batterie) et Nick Oliveri (basse) auront formé Queens of the Stone Age… Une influence considérable, y compris sur Nirvana !

Sous un nom (ironique) qui rappelle les années 60, le Jon Spencer Blues Explosion a, bien au contraire, une orientation avant-gardiste. Fondamentalement anti-rock, noisy et lo-fi, il fracasse les structures punk avec des rythmes changeants, des mélodies criardes qui n’en sont pas et des riffs-clichés de guitare volontairement maladroits… Inclassable ! La démarche surprend, mais le trio new yorkais va susciter un intérêt grandissant tout au long des années 90.

Dans une lignée country rock bien américaine, les Jayhawks – enfants plus ou moins directs des Gram Parsons, Tim Hardin ou Neil Young – figurent parmi les groupes à la réussite artiste saluée au début de la décénie. Ce troisième album est le premier enregistré pour une major et le producteur George Drakoulias décroche à cette occasion la collaboration de deux claviers prestigieux, Benmont Tench et Nicky Hopkins.

Fans des Beatles, les Innocents empruntent pourtant leur nom aux Clash qui avaient pris ce pseudonyme un soir de concert !… Le groupe va proposer dans le courant des années 90 une remarquable pop francophone. « Fous à lier » est l’album de la reconnaissance : « Un homme extraordinaire », « L’autre finistère », « Fous à lier »… les titres partent successivement à l’assaut des radios de l’Hexagone et restent évidemment dans les mémoires.

La rebelle et remarquable Polly Jean Harvey va devenir dans le courant des années 90 une sorte de nouvelle Patti Smith ou Chrissie Hynde, une grande voix féminine et personnalité emblématique de la fin du siècle. Ce premier album et sa formule trio musclée (guitare noisy/basse/batterie) se cantonne à l’essentiel, avec une immense efficacité.

Après le succès de « The Real Thing », « Angel Dust » déroute un peu les nouveaux adeptes par une très grande diversité. Faith No More explore ses propres voies sans se soucier des canons d’un style particulier. L’album comprend « Easy » (une reprise de lionel Richie), pas vraiment représentatif, mais qui est le plus gros tube du groupe.

Formé en 1986 à New York, Dream Theater s’inscrit au départ dans une lignée progressive rock relativement standard : Yes, Rush, Marillion… Mais le groupe permet l’émergence d’un nouveau guitariste virtuose, John Petrucci. L’énorme talent de ce dernier, sans aucun tape à l’oeil, est au service des compositions et du groupe. Le clip de « Pull Me Under » est un gros succès MTV et ce second album va demeurer comme un (le ?) grand classique du groupe.

Farouchement indie, Ani DiFranco créé son propre label auquel elle restera obstinément attachée. Beaucoup plus qu’une petite soeur punky de Suzanne Vega, elle affirme dès ses premiers albums une très forte personnalité et marque le renouveau folk des années 90. Elle est féministe, ouvertement « bi » (« In or Out » ou « If It Isn’t Her »), et devient assez vite une icône des communautés homosexuelles aux USA.

Héritier direct d’Eurythmics (et ami de Dave Stewart) le duo londonien constitué de Dean Garcia (guitare) et de la chanteuse Toni Halliday croise aussi dans les eaux chaudes des Sonic Youth ou My Bloody Valentine… Guitares noisy, vocaux éthérés, boucles dance et noirceur gothique initient une formule dance alternative qu’on retrouvera assez largement, un peu plus tard, chez Garbage.