Premier album du groupe de Hip-Hop new yorkais très largement inspiré de Public Enemy. Cet album reste comme l’un des albums rap les plus importants des années 90 grâce à ses rythmes nouveaux et son exploration musicale. Son influence touchera tous les rappeurs qui suivront (Enimen par exemple) et même au delà avec des groupes comme Rage Against the Machine. Chroniqué par Jérôme

Paul Westerberg, le guitariste et auteur-compositeur de The Replacements, a sorti son premier album solo. C’était une bonne sortie, mais elle ne se compare pas vraiment à la grandeur de The Replacements.

Les jours de rage punk de ce groupe sont révolus et ont été remplacés par une bonne power-pop mélodique.

Il ne manque qu’un petit souffle d’inspiration à Westerberg pour… trouver un titre à ces « 14 chansons » !

Underworld devient avec cet album le groupe que l’on connaît, fruit de la rencontre d’une entité rock traditionnelle (Karl Hyde et Rick Smith,) avec le jeune DJ qui vient de les rejoindre (Darren Emerson). Emerson, taquin, plaisantera souvent sur ce choc de génération. L’électronique prend résolument le pas, et Underworld s’installe en leader d’un genre où l’on retrouve aussi Prodigy et les Chemical Brothers.

« Anodyne » est généralement considéré comme le sommet d’Uncle Tupelo (avec leur précédent album de 92, produit par Peter Buck de R.E.M.), même s’il perd un peut de la hargne des débuts. Le groupe va pourtant se séparer. Ses deux leaders Jay Farrar et Jeff Tweedy, amis d’enfance (ils sont né dans la même maternité !), ne s’entendent plus. Farrar fondera le groupe Son Volt et Tweedy accédera à une reconnaissance beaucoup plus importante et internationale avec Wilco.

« Mind Bomb » avait été assez universellement salué. Quatre ans plus tard ce lumineux « Crépuscule » (Dusk) marque un nouveau sommet, dans un style assez différent. On revient à un rock plus traditionnel. Loin des rythmes dance des anciens albums, l’électronique cède le pas aux instrumentations parfois acoustiques… Un remarquable ensemble, solide, profond et plutôt touchant.

Suede (qui se fera appeler « London Suede » après une tournée américaine pour cause d’homonymie) est une pionnier de la brit-pop des années 90. Le groupe assure sa notoriété et fait la couverture des magazines anglais avant même la sortie de ce premier album. Héritier direct des Smiths, il remet les paillettes au goût du jour (en pleine période grunge !) avec des références évidentes à Bowie, Roxy Music et au glam rock.

« Ten Summoner’s Tales » est peut-être le sommet de la carrière de Sting, qui atteint ici maturité évidente. A la fois beau, intimiste et accessible (et donc évidemment assez commercial), ce disque a toute les qualités d’un album d’anthologie. Et des titres comme « Fields of Gold » ou « Shape of My Heart », dans leur simplicité apparente, ont tout des chansons éternelles.

Stereolab est certainement l’un des groupes alternatifs anglais parmi les plus influents des années 90. Fondé par Tim Gane et sa compagne Lætitia Sadier après la séparation du groupe McCarty, ils puisent leurs sources à la fois dans la pop des années 60 et le krautrock expérimental de la décénie suivante. Lætitia est française et plusieurs titres du répertoire seront interprétés en français…

Sepultura est un groupe original à plus d’un titre. En dissidence avec son pays d’origine (Brésil) dont il dénonce les injustices, le groupe n’hésite pas à mêler aux guitares lourdes des éléments de musique etnique. Si la voix gutturale de Max Cavalera demeure très en phase avec le genre, la rythmique d’Igor, son frère, se complexifie, sans rien perdre de son extraordinaire puissance… Et « Chaos A.D. », à la limite de l’expérimental, est résolument un grand disque !

Dès ce premier album, Radiohead s’impose comme l’une des figures de la Britpop des années 90 avec le tube « Creep ». « Pablo Honey » est un album frais, parfois très folk, à d’autres moments plus rock qui reste aujourd’hui comme un monument dans la carrière du groupe. Chroniqué par Jérôme

Alors que le précédent album, « Voguant sur les mers de fromage », est leur première grande réussite commerciale, « Pork Soda » est une confirmation de l’humour du groupe, autant dans les arrangements que dans les textes qui sont une série de croquis bien sentis sur les années 90 : une paranoïa joyeuse, les nouveautés ennuyeuses… le tout un brin désabusé.

Liz Phair évolue dans le milieu underground à la fin des années 80. Son premier album est une véritable bombe et la fait apparaître comme la nouvelle révélation américaine. Il engendre même une ribambelle de clônes plus ou moins éphémères… Une affection particulière pour les Rolling Stones (le clin d’oeil du titre et les guitares rythmiques à la Keith Richards), mais aussi une filiation avec les grandes chanteuses d’outre-Atlantique.

« Vs. » est le deuxième album de Pearl Jam. Sorti en pleine expansion du mouvement grunge, il reste comme le plus agressif de tous les disques du groupe. Parmi cet ensemble cohérent, plus hard rock que grunge, certaines perles folk se sont glissées telles que « Daughter » ou encore « Elderly Woman… ». Côté Hard, « Go » et « Rats » font figure d’emblèmes. Chroniqué par Jérôme

Après le succès phénomenal (et inattendu) de « Nevermind », le groupe s’interroge sur sa musique et décide de revenir à un son moins « propre ». Steve Albini (producteur de « Surfer Rosa ») est appelé afin de redorer l’image grunge du groupe de Seattle. Il en résulte un album équivalent en énergie à « Bleach », la maturité en plus. A noter les excellents « Rape Me », « Dumb » et « All Apologies »… Chroniqué par Jérôme

Melvins est devenu avec le temps un véritable monument de la scène de Seattle. Le groupe compte au début dans ses supporters une certain kurt Cobain, qui fait pour eux office de roadie. Kurt devient aussi leur protégé et, juste retour des choses, c’est grâce à lui – auréolé du succès de Nirvana – que Melvins signe chez Atlantic pour cet « Houdini » qui demeure comme l’un des grands albums de référence du grunge et du metal alternatif.

Tenace, Maria McKee surmonte les difficultés rencontrées avec son premier groupe, Lone Justice. Malgré l’échec commercial de ce dernier, la chanteuse s’était signalée et elle entamme une carrière solo. Son premier album solo passe inapperçu. Elle fait appel pour celui-ci à George Drakoulias, producteur des Black Crowes. Le résultat, très convainquant, rappelle les grands moments du country rock des années 70.

Avec trois albums seulement, le groupe de David Roback (guitare) et de la chanteuse Hope Sandoval jouit d’une aura considérable. Mazzy Star est quasiment synonyme de néo-psychédélisme et de dream pop sur la scène underground américaine. Les intéressés entretiennent d’autre part leur côté énigmatique en se tenant à l’écart des médias. « So Tonight That I Might See » est un petit chef-d’oeuvre, envoûtant et dénué de tout artifice.

Entre soul-funk, acid jazz et house, Jason Kay et Jamiroquai proposent leur irrésistible cocktail, propulsé par les deux hits qui ouvrent ce premier album à la densité remarquable. Une coloration musicale très américaine pour des Londoniens. Ces clônes talentueux de Stevie Wonder sont d’autre part écologistes, ce qui est un plus… et une belle originalité pour une musique à destination, entre autres, des dance floors !

Véritables superstars en Angleterre, James est présenté à ses débuts comme les nouveaux Smiths. Le groupe, comparé ensuite à U2, trouve finalement sa propre identité dans un segment pop-folk mélodramatique. Après une tournée américaine acoustique en première partie de Neil Young, Tim Booth (chant) et son équipe font appel à Brian Eno pour la production de ce sommet discographique.

Peu de temps après une interminable tournée mondiale des Rolling Stones, Mick Jagger en grande forme reprend le chemin des studios pour enregistrer ce qui est probablement son meilleur album solo. Quelques morceaux très énergiques, de la diversité (un peu de soul, un peu de country)… Ca rappelle beaucoup les Stones… il se pourrait bien même que ce soit le meilleur album des Rolling Stones des années 70 !!!

Après la révélation du premier album, P.J. Harvey affirme son immense originalité. Steve Albini, producteur culte du rock alternatif et underground, est aux manettes pour un mix en « noir et blanc » où chaque son, cru et froid, semble poussé à son extrême. Cela donne un album qui pourra sembler d’une approche difficile pour certains (Dylan passé à la moulinette aura du mal à y retrouver ses petits !). Une formidable énergie punkienne !

Grant Lee Buffalo fait partie des quelques protégés de Michael Stipe (R.E.M), des groupes qu’il aura aidé à faire connaître et reconnaître. Le trio californien tient son nom de son leader-chanteur Grant Lee Phillips. Un premier album énergique ancré dans la tradition folk rock américaine mais où l’on sent aussi un regard tendu vers la new wave, voire des influences plus anciennes comme David Bowie.

Le rock japonnais est un univers à lui tout seul ! Et sa capitale, Tokyo, est secouée depuis le milieu des années 70 par une scène underground des plus actives. Le guitariste-chanteur Keiji Haino en est, dès cette époque, l’un des grands agitateurs, en solo, puis avec son groupe. Furieusement avant-gardiste, influencé par le free jazz et laissant toujours une grande part à l’improvisation, Fushitsusha est ici produit par John Zorn… pas vraiment surprenant !

Le premier album des Flaming Lips chez une Major propose un remarquable ensemble de chansons pop décallées, appuyées souvent par de grosses guitares. La formation compte désormais dans ses rangs le batteur Steven Drozd et le guitariste Ronald Jones qui contribuent largement à donner le ton caractéristique de cet album. Pour la première fois un titre (« She Don’t Use Jelly ») part à l’assaut des charts.