Dans l’univers habituellement black du metal, où l’on fait rarement dans la faitaisie, Ugly Kid Joe se distingue par son sens de l’humour et son goût pour la parodie. « Everything About You » est le tube de ce premier album et le groupe conquiert rapidement aux USA un public de teenagers… Pour tous ceux qui ne goûtent pas l’humour américain (ou ne comprennent pas l’anglais !) il reste un groupe au style pop metal plutôt plaisant.

Après le succès de « The Real Thing », « Angel Dust » déroute un peu les nouveaux adeptes par une très grande diversité. Faith No More explore ses propres voies sans se soucier des canons d’un style particulier. L’album comprend « Easy » (une reprise de lionel Richie), pas vraiment représentatif, mais qui est le plus gros tube du groupe.

Pas moins de 52 titres ! l’essentiel des 10 premières années des Troggs, un peu trop vite oubliés… Un franc-parler qui fit quelques remous en son temps, et un art consommé de la narration sur le mode d’une chanson de trois minutes… On y retrouve notamment leur fameuse et étonnante version de « Good Vibrations » des Beach Boys. A (re)découvrir impérativement !

Etonnant come back des Troggs (qui n’avaient jamais cessé d’exister). Un nouveau public les découvre grâce à R.E.M. qui reprend « Love is All Around », leur succès des années 60… Tout ceci coincide avec la sortie d’une compilation (Archeology) qui retrace la première période historique de ce groupe à part.

Dans une discographie quasie parfaite et sans la moindre faille, « Automatic for the People » est très généralement cité comme le meilleur album de R.E.M.. Et il est vrai que le groupe tutoie ici la perfection, avec une qualité de production époustoufflante. « Everybody Hurts » est le tube qu’on sait, mais tous les autres titres rivalisent de force ou de subtilité… Evidemment, l’un des très grands albums de la décénie !

On définit parfois Kyuss (prononcer Kai-uss !) comme une sorte de Velvet Underground du métal. Comme ces derniers, ils ne vont connaître aucune réussite commerciale mais vont devenir mythiques, après leur séparation, lorsque Josh Homme (guitare, chant), Alfredo Hernandez (batterie) et Nick Oliveri (basse) auront formé Queens of the Stone Age… Une influence considérable, y compris sur Nirvana !

C’est du metal ou c’est du rap ? La question est toujours sur les lèvres pour ce groupe fondé par Ice-T, chanteur de rap dont le morceau « Body Count » est sorti sur l’album « Original Gansgter » et a donné son nom au groupe. Quant on écoute, il y a bien du metal dedans ! La version actuelle est éditée sans le morceau « Cop Killer » qui a beaucoup choqué en 1992.

Megadeth délivre ici un disque équilibré et riche, poussant encore un peu plus loin le travail entamé sur l’album précédent, « Rust in Peace ». Le groupe est soudé et a maintenant trouvé son équilibre, réussissant l’exploit de faire cohabiter deux des meilleurs guitaristes solo en activité… Chroniqué par Euhlain

Une parentée musicale bien évidente avec les autres groupes de Seattle de l’époque, Nirvana surtout… mais Alice In Chains doit aussi beaucoup à Van Halen et s’inscrit de bien des façons comme le groupe de heavy metal définitif du début des années 90. « Dirt », album plusieurs fois platine, est la référence d’un immense groupe éclaté entre véléités post-punk, métal alternatif et textures semi-acoustiques.

Héritier direct d’Eurythmics (et ami de Dave Stewart) le duo londonien constitué de Dean Garcia (guitare) et de la chanteuse Toni Halliday croise aussi dans les eaux chaudes des Sonic Youth ou My Bloody Valentine… Guitares noisy, vocaux éthérés, boucles dance et noirceur gothique initient une formule dance alternative qu’on retrouvera assez largement, un peu plus tard, chez Garbage.

La rebelle et remarquable Polly Jean Harvey va devenir dans le courant des années 90 une sorte de nouvelle Patti Smith ou Chrissie Hynde, une grande voix féminine et personnalité emblématique de la fin du siècle. Ce premier album et sa formule trio musclée (guitare noisy/basse/batterie) se cantonne à l’essentiel, avec une immense efficacité.

Depuis les historiques Nighthaws, Jimmy Thackery s’est affirmé comme l’un des guitaristes virtuoses du blues moderne. Totalement crédible en reprenant Hendrix (« Red House »), il fait aussi du « Rude Mood » de Stevie Ray Vaughan son morceau de bravour… Vaughan dont il est considéré, depuis sa disparition, comme l’un des plus fidèles héritiers.

L’un des tout premiers albums de la scène rave, qui demeure aussi une référence… The Prodigy va devenir, avec beaucoup de flair et de talent, un acteur majeur de la musique électronique des années 90. Accessible (chaque titre pourrait être un tube en puissance), le groupe a aussi une gestion de son image et des shows qui s’apparentent autant aux grandes scènes rock qu’à un environnement purement techno.

Fans des Beatles, les Innocents empruntent pourtant leur nom aux Clash qui avaient pris ce pseudonyme un soir de concert !… Le groupe va proposer dans le courant des années 90 une remarquable pop francophone. « Fous à lier » est l’album de la reconnaissance : « Un homme extraordinaire », « L’autre finistère », « Fous à lier »… les titres partent successivement à l’assaut des radios de l’Hexagone et restent évidemment dans les mémoires.

Manic Street Preachers c’est, au départ, plusieurs paradoxes : un look Glam mais une filiation avouée avec les Clash et Sex Pistols, une texture musicale britpop finalement assez formatée mais un contenu lyrique très engagé politiquement (cf. le titre de ce premier album). Ce dernier point fait du groupe un acteur remarquable des années 90. Au détour le disque invite, entre autres, Albert Camus, William Burroughs, George Orwell, Henry Miller et Confucius !…

Avec sa formule inusitée et minimaliste : une basse fretless à deux cordes (Mark Sandman), un sax baryton (Dana Colley) et une batterie (Billy Conway), Morphine créé l’événement. On pense parfois aux Doors ou aux climats dramatiques d’un Nick Cave. Mais le groupe de Boston fait preuve d’une évidente force de création et l’univers, assez jazz, qu’il développe est d’une immense originalité.

L’album de la reconnaissance internationale (le hit « Runaway Train »)… Plutôt assagi, et loin du premier album produit par Bob Mould (Hüsker Dü), Soul Asylum opère un virage assez country-rock. Pour la petite histoire, le clip de « Runaway Train », où défile des photos d’ados en fugue ou disparus, à permis d’en retrouver quelques-uns !

20 ans après « Harvest », retour de Neil Young à un magnifique album acoustique et profondément folk. Paisible parcours, parfois nostalgique (le clin d’oeil du titre ?!), au travers de dix nouvelles chansons signées par l’une des plus belles plumes de l’histoire du rock.

Dans une lignée country rock bien américaine, les Jayhawks – enfants plus ou moins directs des Gram Parsons, Tim Hardin ou Neil Young – figurent parmi les groupes à la réussite artiste saluée au début de la décénie. Ce troisième album est le premier enregistré pour une major et le producteur George Drakoulias décroche à cette occasion la collaboration de deux claviers prestigieux, Benmont Tench et Nicky Hopkins.

Toujours aussi éclectrique, parfois proche du trip-hop, Neneh Cherry enregistre son deuxième album avec des invités de marque, dont Michael Stipe de R.E.M. (les ponctuations rock de « Money Love » et « Trout ») et Geoff Barlow, futur Portishead, à la production. Plus original que son prédécésseur, « Homebrew » est un relatif et décevant échec commercial.

Formé en 1986 à New York, Dream Theater s’inscrit au départ dans une lignée progressive rock relativement standard : Yes, Rush, Marillion… Mais le groupe permet l’émergence d’un nouveau guitariste virtuose, John Petrucci. L’énorme talent de ce dernier, sans aucun tape à l’oeil, est au service des compositions et du groupe. Le clip de « Pull Me Under » est un gros succès MTV et ce second album va demeurer comme un (le ?) grand classique du groupe.

Farouchement indie, Ani DiFranco créé son propre label auquel elle restera obstinément attachée. Beaucoup plus qu’une petite soeur punky de Suzanne Vega, elle affirme dès ses premiers albums une très forte personnalité et marque le renouveau folk des années 90. Elle est féministe, ouvertement « bi » (« In or Out » ou « If It Isn’t Her »), et devient assez vite une icône des communautés homosexuelles aux USA.

« In the beginning » ou la génèse d’un guitariste hors du commun. Enregistré le 1er avril 1980 dans un célèbre club d’Austin (Texas) et retransmis pour une radio locale, ce live montre un Stevie Vaughan (pas encore Stevie « Ray » et pratiquement inconnu), âgé de seulement 25 ans, interprêter d’une façon magistrale des grands standards du blues ainsi que des compos qui figureront sur le célèbre « Texas Flood » trois ans plus tard. Chroniqué par Pierre-André Bague

Bien que les compositions d’Evan Dando soient accrocheuses et de qualité, c’est à nouveau avec une reprise que les Lemonheads se rappellent au bon souvenir du public américain : leur version de « Mrs. Robinson » de Simon and Garfunkel, incluse en bonus sur un CD paru peu de temps après l’original, entraîne ce dernier au sommet des ventes.

Sous un nom (ironique) qui rappelle les années 60, le Jon Spencer Blues Explosion a, bien au contraire, une orientation avant-gardiste. Fondamentalement anti-rock, noisy et lo-fi, il fracasse les structures punk avec des rythmes changeants, des mélodies criardes qui n’en sont pas et des riffs-clichés de guitare volontairement maladroits… Inclassable ! La démarche surprend, mais le trio new yorkais va susciter un intérêt grandissant tout au long des années 90.

Le premier album de White Zombie sur une major connaît un important retentissement (le clip de « Thunder Kiss ’65 »). Le groupe new yorkais est parfois même alors présenté comme le futur possible du metal, étape historique (toute proportion gardée) comparable au « Appetite for Destruction » de Guns N’ Roses… Un rap-metal-industriel qui pratique allègrement le collage sonore et pioche ses sources tous azimtus, de Black Sabbath à Metallica.

Véritables successeurs des Pogues, les Levellers écument, depuis leur formation en 1988, les scènes undergrounds et alternatives anglaises avec leur folk rock punky vitaminé. « Levelling the Land », leur second album est un succès marquant (qui leur vaudra une signature avec la major américaine Elektra). « One Way » est alors n° 1 des charts indie anglais et devient leur titre fétiche.

Pour son premier album, Myra Ellen Amos nous livre une pop progressive entre Kate Bush et Joni Mitchell, avec des chansons très personnelles et chargées d’émotion et de poésie. Il faut savoir qu’elle fut violée et écouter ensuite « Me And A Gun » pour percevoir toute l’intimité de son style.

Cinq ans plus tôt, Ry Cooder (guitare), Nick Lowe (Basse) et Jim Keltner (Batterie) avaient participé à l’enregistrement de « Bring the Family », le gros succès de John Hiatt. L’idée de former un « super-groupe » avec ce dernier est sans doute née à cette époque. Little Village, comme bien d’autres rencontres au sommet, ne va pas durer… Reste cet album solide et carré, appuyé alors par une unique mais belle tournée de concerts.

La publication en 1992 de ce grand live est marquante à plusieurs titres. Elle fait suite à la mort de Freddie Mercury et signe la fin d’une épopée. Il s’agit d’une compilation des concerts donnés au Wembley Stadium en 1986. Le répertoire de Queen était taillé pour la scène et ce double abum en atteste parfaitement… Un autre concert hommage sera organisé à cette époque dans ce même stade, avec des invités comme David Bowie, Elton John, Annie Lennox, Def Leppard ou Guns N’ Roses, avec une sensibilisation aux risques du sida.

Un mini CD de reprises iconoclastes… rien de moins que : Peter Gabriel, XTC, Residents, Meters et Pink Floyd !… et Primus réalise l’exploit, avec ce matériel des plus hétéroclites, de produire un ensemble aussi original que parfaitement cohérent !

Moby est au début des années 90 une figure controversée de la techno. Il est en tous cas l’un des premiers artistes à présenter un visage (humain) dans un genre notoirement impersonnel. Il dépasse les canons du style en y intégrant des éléments et instruments venus du rock. Et pour clôre sur l’originalité du personnage et les sujets qui dérangent, Moby affiche alors une pratique chrétienne quasie dévote et radicale !

Après avec marqué la scène punk avec les Jam, la new wave des années 80 avec The Style Council, Paul Weller ouvre, en solo, avec la nouvelle décénie, la troisième phase de sa carrière. Il revient à une pop british, encore fortement marquée par la soul à la façon d’un steve Winwood.

Depuis 89 et le fameux « Pretty Hate Machine » de Nine Inch Nails, le rock indu est installé. Alain Jourgensen et Paul Barker y apportent un nouvel essentiel. Précédé par la sortie en single et le hit « Jesus Built My Hot Rod », l’album est, en outre, un virulent playdoyé contre une Amérique corrompue, une patriotisme idiot, l’hypcrisie religieuse… thèmes qui ont un écho certain dans l’ère des présidents Bush père et fils !

Si le rap a rendu à la musique sa force de constestation sociale, s’il est par là devenu ce qu’était le rock à l’origine (comme le dit Neil Young), Rage Against The Machine met du rap dans le métal… mais rien à voir ici avec de simples subtilités artistiques, il y a une véritable colère, une véritable engagement, porté par le nom même du groupe. En plus, le cocktail musical est extraordinairement bon. Pour un premier album, une véritable bombe !

L’un des plus grands « live » de l’histoire du rock !… On y retrouve Pat Garrett, l’immense chanteur (par le talent et la taille !) et son groupe dans des concerts enregistrés entre 1982 et 1990 en Australie et à New York (devant le siège d’une firme responsable responsable de marée noire en Alaska !).

Brad Laner est, avec Medicine, l’un des inventeurs de ce qu’on appellera très vite la dream pop. Mais il a déjà, avant cela, une intense activité dans la mouvance indépendante californienne, apparaissant sur plus de 300 albums. A l’intar de My Bloody Valentine, Medicine trouve son style dans un choc antinomique entre des guitares noisy et des mélodies pop.

Pensé d’abord comme un projet de studio entre les guitaristes-chanteurs Stephen Malkmus et Scott Kannberg, Pavement devient progressivement un véritable groupe au début des années 90. Il s’impose rapidement, et particulièrement avec ce premier album, comme l’un des chefs de fil du rock indépendant américain et de sa dominante lo-fi (basse-fidélité !) tout au long de la décénie.

Grands ignorés de la scène de Seattle et du déferlement grunge, les Trees sont pourtant parmi les groupes les plus intéressants de l’époque. La « réhabilitation » viendra plus tard, lorsque le chanteur Mark Lanegan finira par imposer son immense talent en solo. Pour ceux qui ont quand même raté le coche il n’est pas trop tard, les deux derniers albums du groupe sont des indispensables perles !

T-Bone Burnett produit en 86 l’excellent « King of America » d’Elvis Costello, puis les deux derniers albums de Roy Orbison… L’artiste, connu pour se disperser un peu trop, s’attache malgré tout à l’enregistrement de cet album qui est sans aucune doute l’un de ses grands sommets.

Profitant de l’espace laissé par des Guns n’ Roses un peu en panne, Les Black Crowes imposent rapidement ce deuxième album, probablement leur meilleur. L’arrivée d’un nouveau guitariste à la technique remarquable (Marc Ford) et des claviers de Ed Hawrysch donnent au groupe une étoffe extraordinaire… « The Southern Harmony and Musical Companion » est le titre d’un célèbre recueil de cantiques aux USA !

Malgré une démarche plus commerciale à la fin des années 80 et un carré de fans irréductible, Manowar ne parvient pas à s’imposer vraiment, ce qui entraîne le départ Ross « The Boss ». Mais le groupe garde obstinément le cap (« Mort au faux métal ! ») sans ironie ni second degré, ce qui leur vaut quelques déboires avec la critique (notamment aux USA). Ce « Triomphe de l’Acier » est sans doute l’un de leurs meilleurs albums.

Faisant suite à un brillant, enlevé et très Beatlessien « Giant Normal Dwarf », « Ting » revient à une simplicité extrême, presque austère. Cet album paisible, totalement hors mode, est marqué par le piano de Robert Jan Stips et met aussi en evidence le travail subtile de Rob Kloet aux percus et à la batterie. Une musique assez déroutante pour l’époque mais qui séduit après une toute petite période d’acclimatation.

Cohérent, furieux, direct : « Tostaky » est un grand moment de french rebel music !… une référence. Certainement l’album de la maturité pour le groupe : la voix de Bertrand Cantat est magistrale dans tous les registres, qu’il hurle ou murmure… derrière, le groupe installe avec force ses climats (plutôt orageux !) captivants. Mais il n’y a pas, en fait, de devant et de derrière… tout cela est au contraire saisissant d’unité !

Après une tournée européenne remarquée, « U.F.Orb » apparaît un peu comme la troisième face du double album précédent. Il se classe dès sa sortie n°1 en Angleterre. Comme précédement, le duo s’adjoint de nombreuses collaborations, on retrouve ainsi le pionnier des années 70 Steve Hillage.

C’est une sorte de best of, de testament musical, que Clapton propose avec ce live unplugged (acoustique). Il revisite ses classiques, proposant notamment une magnifique nouvelle version du célèbre « Layla ». Infiniment touchant de simplicité et magistrale leçon de guitare, le disque est un succès mondial.

La carrière solo d’Alvin Lee est sans commune mesure avec le succès considérable de Ten Years After. Mais il demeure une attraction, bien longtemps après la séparation du groupe. « Zoom » fait partie de ses réussites. Parmi les meilleurs moments de l’album on peut relever « Real Life Blues », où George Harrison tient la guitare slide, tandis qu’un autre invité de légende est aux claviers : Jon Lord de Deep Purple… tout cela ne nous rajeunit pas !