Devenu en 10 ans et 5 albums l’une des références du punk-rock californien (avec Green Day et NoFX), The Offspring confirme son statut de précurseur en mélangeant diverses influences comme la musique latine ou mexicaine à son genre de prédilection. Sans être le meilleur album du groupe, « Americana » fait mouche en sortant l’artillerie lourde (« Staring at the Sun », « Pretty Fly (For a White Guy », « Why Don’t You Get a Job ? »). Chroniqué par Jérôme

Il faut curieusement attendre la parution de ce 4ème album pour que le groupe de Jonthan Donahue et Sean Grashopper apparaisse soudain comme une révélation ! Il faut dire que les 11 chansons du cru 98 dégagent une féérie particulière. Le bruit volcanique des débuts cède ici le pas à des orchestrations quasies symphoniques. Un étal de sucreries colorées qui évite magistralement la mièvrerie où seraient tombés bien des adeptes du genre.

Sept ans après « Blue Lines », Massive Attack a de nouveau rendez-vous avec la perfection avec cet album parfois considéré comme leur effort le plus original. Hymne sombre, complexe, urbain où les ambiances oppressantes peuvent déboucher sur des climats paradisiaques et de parfaite béatitude. Techniquement, c’est un travail d’orfèvre.

Après le rock satanique de l’Antichrist Superstar, on revient aux sources de Sex, Drug and rock-n-roll avec cet album charnière. On trouve dans cet album le titre « Rock Is Dead » que l’on entend dans le film Matrix, ainsi que le mythique « I Don’t Like The Drugs (But The Drugs Like Me) ». Il faut aussi citer « Great Big White World », « The Dope Show » et « The Last Day On Earth ». En fait, rien à jeter !

C’est au côté de son mentor Magic Sam que Magic Slim, de son vrai nom Morris Holt, fait ses premières armes. Après quelques tentatives infructueuses fin 60’s et début 70’s pour se faire connaitre en solo, il doit attendre les années 80 et le regain d’interêt pour le blues pour s’imposer comme un des derniers représentants du Chicago Blues. Chroniqué par Pierre-André Bague

Louise Attaque est l’une des belles surprises francophones de fin de siècle. Adepte des Violent Femmes (dont il s’inspire pour le choix de son nom), le groupe est produit pour ce premier album par Gordon Gano. Le trio de départ est rejoint par le violoniste Arnaud Samuel qui donne au groupe, avec la voix et le phrasé particuliers de Gaëtan Roussel, sa texture sonore originale… Une remarquable façon de faire swinguer la langue française.

Sean Lennon se lance plus prudemment dans l’aventure musicale que son demi-frère Julian. Plus tardivement aussi (mais il est de 12 ans son cadet). Membre de Cibo Mato peu de temps avant, il n’affirme pas avec ce premier album solo un style marqué : on passe de la pop façon Beatles (plutôt McCartney, même si la voix rappelle celle du papa) aux conotations latines. Une petite touche expérimentale et quelques guitares heavy caractérisent aussi cet album sans prétentions. Le personnage simple et sincère attire la sympathie.

Après le succès de « Valotte », son premier album, furieusement ressemblant au style de son père, Julian Lennon tente de briser cette image… sans réussite : le public ne suis pas, et c’est vrai qu’il est moins convainquant. Il se retire un temps du milieu musical. Avec « Photograph Smile », Julian retrouve ce qui est finalement son « naturel », le très Beatlesien « Day After Day » donne le ton : il assume l’héritage (génétique !) que d’autres ne se privent pas de pirater (Blur, Oasis et des centaines d’autres)… un très bon disque !

Sans renier vraiment ses références musicales, le « caméléon du rock » réussit ici, plus que jamais, à les transcender pour produire son album le plus personnel. Un travail, comme à l’accoutumée, très soigné et, en l’occurence, bien dans l’air du temps avec quelques accents electro-pop.

Difficile de reconnaître sur cet album le chanteur des énormes tubes synthé-pop de Talk Talk de la première moitié des années 80… un tambourin asthénique remplace ici les boîtes à rythme ! Mark Hollis, l’introverti, poursuit sa quête expérimentale à la croisée du jazz, de l’ambient et de la musique folklorique. Un univers proche d’un Robert Wyatt. Une maîtrise surnaturelle de l’atmosphère.. beauté paisible, fine, saisissante !

La chanteuse des Fugees réalise avec cet album la fusion ultime entre tous les styles afro-américain et pop : rap, soul, reggae, R&B…; un énorme cocktail où elle glisse également une touche personnelle. Elle se donne par ailleurs les moyens d’une production très haut de gamme avec une distribution qui s’apparente presque à un botin téléphonique (pages jaunes, bien sûr : le côté pro !).

Entre folk et blues, entre pop et trip-hop, Gomez ne choisit pas vraiment et l’on trouve curieusement une belle unité de ton dans la diversité. Le groupe de Liverpool obtient d’entrée une reconnaissance avec ce premier album : le Mercury Awards du meilleur album anglais de l’année.

On mesure ici tout le chemin parcouru depuis l’époque héroïque de la soul music… Mais le talent n’a pas d’âge et Aretha Franklin fait beaucoup mieux ici que soutenir la comparaison avec les Whitney Houston ou Mariah Carey, dont elle a bien évidemment été l’inspiratrice… Un album étonnement moderne, réalisé avec Puff Daddy et Lauryn Hill (Fugees).

John Fogerty gagnera finalement tous ses procès contre ses anciens producteurs. Mais sa carrière solo en sera bien sûr affectée et rendue très épisodique. Après un excellent « Blue Moon Swamp », il se décide enfin à reprendre en concert le répertoire de Creedence… Des titres qui, à côté de ses nouvelles compositions, n’ont manifestement rien perdu de leur force !

La légèreté des débuts cède ici le pas à l’expression d’une déchirure : « E » vient d’être touché par plusieurs décès dans sa famille et ses proches. Il transcende sa douleur et s’affirme comme un songwriter de grande envergure… Un album à l’immense beauté sombre qui partage sa force solennelle avec d’autres oeuvres écrites dans des circonstances analogues : « Tonight’s the Night » de Neil Young par exemple.

Mêlant le hardcore punk et la musique celtique traditionelle à la mode des Pogues, les Dropkick Murphys passent le pas du premier album studio avec « Do or Die ». Produit par Lars Frederiksen, guitariste et chanteur de Rancid, cet opus n’hésite pas à piocher dans diverses sources d’influences comme les groupes de la trempe d’Agnostic Front ou le répertoire traditionnel irlandais. Chroniqué par Jérôme

Ce cinquième album de l’ancien chanteur d’Iron Maiden a ravi les fans du groupe qui baissait de niveau en cette fin des années 90. Beaucoup de créativité, une dose d’agressivité, un peu de médiéval fantastique et la recette donne un album très impressionant et homogène.

Venant de la scène black metal underground finnoise, Children of Bodom se place dès ce premier album en haut des ventes d’albums en Finlande dans sa catégorie. Très vite, le succès se repand dans de nombreux pays et le groupe devient l’une des références mondiales du genre. Cet album se différencie de ceux qui suivront par la présence de clavier et d’influence neo-classique. Chroniqué par Jérôme

Libéré des contraintes d’un groupe (Suede), Bernard Butler se sent visiblement obligé de prouver qu’il peut s’en sortir seul, et ce premier album solo sent un peu plus le travail soigné que la liberté créatrice. « People Move On », avec notamment ses belles ballades acoustiques, rivalise pourtant très bien avec le meilleur de la brit-pop, dont Butler avait été un pionnier avec Suede, et l’album connaît un certain succès.

Comme son nom ne l’indique pas, Boards of Canada est écossais. Le duo composé de Marcus Eoin et Michael Sandison puise une part de son inspiration aux sources historiques de la musique électronique et se retrouve aussi assez proche parfois de l’ambient de Brian Eno. « Music Has the Right to Children », ses climats plutôt paisibles et mélodiques, ne révolutionne pas le genre mais s’inscrit comme un grand sommet trip-hop de l’année.

Toujours aussi simple et dénué d’artifice, à l’image des jaquettes monochromes des albums successifs, Belle & Sebastian revient avec un nouvel opus deux ans après celui qui les avait révélé. Le charme des m�lodies folk paisiblement répétitives opère avec une force étonnante au fil des écoutes. On pense ici parfois, agressivité en moins, aux effets (faussement) maladroits et totalement hypnotiques du Velvet… Vraiment un très bon disque.

Issu de la communauté indo-pakistanaise londonienne, Asian Dub propose une fusion tous azimuts inédite, une sorte d’électro-dub orientalisé appuyé par des guitares funky et des percussions ethniques. Le flow rap qui couronne le tout est porteur de revendication et d’une critique sociale aigue. Les adeptes vont rapidement se compter par millions !

Pour la première fois, Tori est accompagnée d’un groupe, ce qui donne une nouvelle dimension à sa musique toujours aussi personnelle. Une rupture, puis son mariage avec son ami de longue date se sont produits pendant l’enregistrement de ce quatrième opus, et cela se ressent dans le style des chansons.

A l’instar du premier Daft Punk paru l’année d’avant, le premier album de Air est d’entrée une pure merveille. Dans son style, à la différence de la plupart de ses contemporains, le duo Nicolas Godin – Jean-Benoit Dunckel lorgne plutôt vers le début des années 80 et la new wave, voire Vangelis. Une musique au raffinement spacial extrême, plus à écouter dans son salon qu’à destination d’un quelconque dance floor.