Le groupe Oasis a sorti son deuxième album, »What’s the Story Morning Glory? »en 1995. Cet album montre un changement de son pour Oasis, alors qu’ils sont passés de leur premier album influencé par le punk-rock à un son rock plus classique. Ils se sont inspirés d’artistes tels que les Beatles et les Rolling Stones. La plupart des chansons de l’album parlent aussi de combien elles veulent être reconnues

Julian Cope est de retour et cette fois, il a un certain nombre de nouvelles versions, dont une de son projet salué Peggy Suicide. C’est super de le revoir avec une sortie aussi excellente.

L’album est une rétrospective de la vie de Julian Cope, de sa naissance à nos jours.

Il commence par la chanson titre de l’album, »20 Mothers », qui parle de »la mère qui n’est pas à moi ». De là, il revisite tour à tour chaque année de sa vie, notamment ses souvenirs d’enfance et ses premiers souvenirs de musique. Au fur et à mesure que l’album avance, il devient adolescent et tombe amoureux de la musique pop.

Les trois dernières chansons de l’album revisitent la vie d’adulte de Cope et contiennent certaines de ses réflexions les plus personnelles.

’20 Mothers’ est un album diversifié avec de nombreuses influences différentes. Une nouvelle attestation de ses talents. Il prend l’influence de Syd Barrett, mais aussi d’autres artistes.

En 1994 le mini CD « Jar of Flies » se classe n°1 au USA, ce qui est une première dans le classement albums. Mais des rumeurs circulent. Le chanteur Layne Staley serait accro à l’héroine. Les musiciens forment par ailleurs un super groupe avec des membres de Screaming Trees et Pearl Jam. Cet album arrive donc comme une surprise… surprise de taille, par qu’il marque un remarquable aboutissement. Ce sera cependant le chant du cygne, puisque la dernière sortie du groupe avec du matériel entièrement neuf.

Guesh Patti se sépare de sa maison de disque et opte pour une formule indie. Elle y gagne en indépendance, en créativité. « Blonde » est de ce fait un album libre et audacieux, loin des frilosités usuelles et des compromis commerciaux. Guesch Patti s’ffirme, revendique son « excentricité », ses sources qui vont de Catherine Ribeiro à P.J. Harvey, de Björk à… Zizi Jeanmaire ! Un univers musical et poétique riche et fort, sans doute trop peu connu.

Avec son premier album pour une « vraie » maison de disque (!), le guitariste-chanteur new yorkais, originaire du Bronx, prend envergure considérable. Popa Chubby n’a visiblement pas la prétention d’être un puriste du blues, il s’en sert de base pour développer sa propre créativité, il y mêle d’autres sources, la soul toujours, le jazz parfois, et un certain esprit punk hérité de la musique de son adolescence au milieu des années 70.

Du bon rock avec un son carré, soigné, c’est ce que propose Lenny Kravitz avec cet excellent disque, l’un de ses meilleurs sans doute.

Le chef-d’oeuvre de Pulp s’articule autour de deux thèmes, le sexe et le fossé entre les classes sociales, les deux se recoupant parfois. Des mélodies simples, immédiates, qui sonnent parfois comme déjà entendues, mais évidemment accrocheuses… Il y a là un rien (ou plus ?!) de Bowie et Roxy Music, peu importe, il y a surtout une immense liberté créative. Et « Common People » est assez généralement considéré comme l’un des plus grands singles de la décénie !

Formé autour de l’ex-chanteuse de Suede Justine Frischmann, compagne à l’époque de Damon Albarn de Blur (mais est-ce bien important ?! :-), Elastica connaît un gros succès avec ce premier album qui recycle énergiquement punk et new wave. Les accusations de plagiat (Wire) qui vont jusqu’aux procès font date !… mais on pourrait dire la même chose des Beach Boys copiant Chuck Berry ou Led Zeppelin Willie Dixon, alors : quand la musique est bonne…!

Le duo Tom Rowlands et Ed Simons, connu sous le nom de Chemical Brothers, créé au milieu des années 90 un précédent notoire : pour la première fois des DJ partent avec succès à la conquête des grandes scènes rock !… Ils ont la culture pour, avec dans leurs références Kraftwerk, My Bloody Valentine, les Smiths, Jesus & Mary Chain, mais aussi Public Ennemy. Leur premier album propose donc une phénoménale fusion dance-rock-rap.

Avec ce deuxième album, Ben Harper confirme son talent mais aussi ses influences (Dylan, Marley et Hendrix) déjà palpables dans « Welcome to the Cruel World ». Entouré de très bons musiciens au sein de son groupe The Innocents Criminals (notamment le percussionniste et le bassiste), le chanteur guitariste est reconnu pour ses excellents live. Ce second essai n’est pas en manque de tubes: « Burn One Day », « Escuse Me Mr. »… Chroniqué par Jérôme

Alors qu’il est encore le batteur de Nirvana, Dave Grohl enregistre chez lui des maquettes de ses propres compositions. Après la mort de Kurt Cobain et la dissolution du groupe, il fonde les Foo Fighters et publie avec ce premier album l’essentiel de ce travail personnel. On retrouve les ingrédients qui firent le succès de Nirvana, une sensibilité punk, des guitares heavy et de jolies mélodies.

En 1994, quelques amis se retrouvent pour un travail en studio autour du batteur-arrangeur Butch Vig, le producteur de « Nevermind » (Nirvana). Ils décident de donner corps à l’expérience et prennent le nom de Garbage. Le groupe tire son originalité d’un équilibre parfait entre la rythmique techno-pop de Vig et une pop post-grunge des autres membres, notamment la chanteuse Shirley Manson, fan de Siouxsie, Chrissie Hynde et… Billie Holiday !

Sa grande limpidité et la qualité de sa production font sans doute de « Grand Prix » le sommet d’un groupe, qui ne parvient cependant pas à s’imposer, quand les Oasis ou Blur accèdent à un statut de star internationale. Si les titres sont signés individuellement Raymond McGinley, Gerard Love ou Norman Black, l’album frappe par sa remarquable unité de ton… un grand groupe évidemment !

Dans la vague brit-pop des années 90, Supergrass est l’un des groupes les plus directement influencés par les Beatles du début, mais aussi de manière plus récente par les Jam et Buzzcocks. Ils sont à peine sortis de l’adolescence (deux membres du groupe ont alors moins de 20 ans) quand ce premier album, énergique et frais, accède aux sommets des classements.

Slash (né Saul Hudson), le guitariste de Guns N’Roses, se sentait probablement à l’étroit dans son costume de gunners. Il forme Slash’s Snakepit en 94, avant de quitter définitivement Guns N’Roses en 96. « Snakepit » est un véritable festival de guitare sur un mode hard/blues ultra-vitaminé. Slash s’y révèle, en outre, excellent chanteur… ce qui ne gâche rien, bien évidemment !

Le retour au premier plan du chanteur Shaun Ryder, au plus bas et totalement sous l’emprise de multiples drogues au moment de la dissolution d’Happy Mondays, est considéré comme l’une des résurections les plus étonnantes de l’histoire du rock !… Deux années de travail dans l’ombre sont nécessaires pour la genèse de ce nouveau groupe et ce premier album à la densité extraordinaire… un chef-d’oeuvre groovy-rap totalement envoûtant !

La carrière de la canadienne Alanis Morissette débute à 16 ans avec un premier album remarqué. Mais c’est avec « Jagged Little Pill » qu’elle explose. Phénomène rare, l’abum passe quasiment inaperçu à sa sortie, puis s’impose progressivement (avec le soutien de MTV) pour finir, trois ans plus tard, par pulvériser le record des disques féminins avec 28 millions d’exemplaires vendus !

Faith No More élargit encore sa palette musicale avec cet album considéré par beaucoup comme un sommet. Metal, funky, jazzy (voire un brin latino « Caralho Voador » !)… un grand disque à classer soigneusement sur l’étagère des inclassables en attente !

Edité plus de dix ans après la sépartion du groupe, « Live! » propose l’enregistrement de deux concerts donnés en 1979 (Boston) et 1983 lors de la dernière tournée du groupe après « Synchronycity »… un bel album rétrospectif : 30 morceaux, tous les tubes… et le public !

Tricky Kid a fait partie de la première mouture de Massive Attack. Il quitte le groupe pour un parcours en solo qui débute avec cet album. S’il écoute visiblement ce que font les collègues, il affirme aussi son originalité et va devenir une référence incontournable et exercer une influence majeure… S’il ne fallait qu’une petite poignée d’essentiels trip-hop « Maxinquaye » en fait évidemment partie !

Il fallait un culot monstre pour oser faire un album de reprises aussi fortement personnalisées. Là où beaucoup se seraient totalement ridiculisés, Annie relève le défi et garde une étonnante unité de ton avec avec un matériel diversifié. Elle n’échappe évidemment pas à une volée de critiques des fans de tous bords : pour apprécier ce disque à sa juste valeur, il faut oublier les versions originales des Clash ou de Neil Young… ce n’est pas évident, c’est sûr !

« Mellon Collie » est le troisième album consécutif (hors la compilation « Pisces Iscariot ») à tutoyer la perfection. Il s’agit, en plus, d’un double album, et il est difficile d’y déceler la moindre faiblesse ! Plus abouti, plus posé que ses prédécesseurs, il conserve une étonnante puissance… Un album central de la décénie (dans tous les sens du terme : 95 !) et très certainement le plus haut sommet des Pumpinks.

Au début des années 90 les Pastels se trouvent réduits au seul duo Stephen Pastel/Aggi Wright. Il sont rejoints peu après par Katrina Mitchell qui participe activement au travail de composition, apportant notamment le superbe « Mandarin » qui s’intègre parfaitement aux géniales approximations mélodiques qui caractérisent le groupe… Pour le reste, les Pastels posent ici évidemment – avec leur insolente facilité et décontraction – un jalon supplémentaire dans la grande histoire de la pop.

John Frusciante avait réalisé un rêve en rejoingnant, en 1988, les Red Hot dont il était fan. Il accompagne leur couronnement mondial, mais disjoncte soudain et quitte le groupe en pleine tournée, en prise avec de sévères problèmes de drogue. Il s’enferme dans son home studio en 95 et commence à enregistrer seul ce premier album obscur… Une approche minimaliste, résolument lo-fi, et des approximations rythmiques et mélodiques rappelant Syd Barrett ou celles, plus étudiées, du délirant Captain Beefheart.

Avec un support instrumental minimum (un percussioniste, une chanteuse), Ani DiFranco assume son folk urbain, énergique et nerveux. Les thèmes abordés ici sont très variés, des grandes questions sociales (la peine de mort, l’avortement) aux préocupations plus intimistes comme l’amour ou l’infidélité. Le langage est parfois cru, graveleux, mais aussi imagé. L’introspection n’est pas absente et l’ensemble atteste surtout d’une belle intégrité artistique et humaine.

En 1995, les Red Hot sont en pleine crise : Kiedis flirte avec l’héroïne, Frusciante accro au crack se cache derrière les amplis pendant les concerts pour fumer et s’en va en pleine tournée japonaise… Tout le monde croyait alors à la fin du groupe mythique. Flea passa six mois sans trouver le sommeil quand Dave Navarro, leader de Jane’s Addiction se propose de redorer le blason des « poivrons rouge ». Le tout est étrange et ne sonne pas vraiment « Red Hot », mais laisse quelques grands morceaux tels que « Aeroplane », « My Friends », « Coffee Shop » ou le très amusant « Pea ». Chroniqué par Jérôme

Obstinée, méthodique, le petit troll islandais devient une artiste majeure de la décénie. Björk se donne les moyens de ses ambitions, en plus de Nellee Hooper, elle s’entoure ici de Graham Massey (808 State), Howie B. et Tricky. Le magistral « Army of Me » ouvre un album à tonalité plus électronique que le précédent. « It’s Oh So Quiet », « Hyper-Ballad » et « Isobel » sont de gros succès.

L’onde de choc du premier album s’est estompée, on commence à connaître l’univers musical énigmatique de Mercury Rev. Au moment de la sortie de ce troisième opus David Baker, le chanteur fou, a été évincé. La voix plus éthérée de Jonathan Donahue sert différement des compositions toujours aussi étonnantes. « See You on the Other Side », très grand album, pointe directement vers les chef-d’oeuvres à venir.

« Pablo Honey », le premier album du groupe et son hit international « Creep » laissait entrevoir le potentiel énorme de Radiohead. Mais avec « The Bends », album parfait, il s’installe comme un monument de la décénie… aussi indéboulonnable que les statues de l’île de Pâques auxquelles on pourrait penser en regardant la photo de la jaquette !

Les quatre premiers abums de Scott Walker, considérés comme de grands classiques aujourd’hui, s’étaient soldés par un echec commercial qui avait eu pour effet d’isoler le chanteur. Il réapparaît sporadiquement, compte parmi ses inconditionnels Bowie, David Sylvian et Julian Cope. « Tilt » marque son retour. Album unique ou dérangeant qui scelle un curieux mariage entre ambient, voix d’opéra et percussions industrial, ce chef-d’oeuvre devient vite envoûtant… pour qui se donne la peine d’y entrer !

Mark Olson et Gary Louris, les deux guitaristes-chanteurs arrivent ici à un sommet. Ils prennent plus de liberté, un peu de distance d’avec la tradition country, pour un album plus diversifié que leurs précédentes productions. Mais Olson, probablement las d’attendre une vraie réussite commerciale, va quitter le groupe. Sous la conduite de Gary Louris les Jayhaws se rapprocheront alors, avec une belle réussite, d’un pop rock proche de Wilco.

Sur le cendres du séminal Uncle Tupelo, Jay Farrar fonde Son Volt en 1994. Il est suivi par Mike Heidorn, le batteur de l’ancienne formation… Quand l’ex-complice Jeff Tweedy devient pop avec Wilco, Son Volt pérénise la formule country rock alternative aux accents mélancoliques chère à Farrar… Un groupe à mi-chemin de Gram Parsons et de Neil Young.

Ces gars-là n’en font visiblement qu’à leur tête, avec la plus parfaite insouciance !… « Wowee Zowee » brouille les pistes. Une ballade acoustique en ouverture, de la pedal steel un peu plus loin, des éléments empruntés au jazz et au music hall anglais… cet album kaleidoscopique, un peu moins accessible que ses prédécesseurs, est tout de même le troisième sans faute consécutif !