C’est avec ce troisième album (en considérant « Smells Like Children » comme un album) que Marilyn Manson se fait vraiment connaitre hors des USA. Le titre de l’album deviendra d’ailleurs son surnom. Album très satanique et gothique. Avec les titres phares « Antichrist Superstar », « The Beautiful People » et « Mister Superstar », il entre dans la légende des déjantés.

Au moment où Apple publie le premier coffret « Anthologie » des Beatles, en 6 CD, les Rutles remettent le couvert avec… « Archaeology » ! Eric Idle n’est plus là, mais l’humour et les textes décalés de Neil Innes sont proprement irrésistibles. La qualité artistique est également au rendez-vous, et certains commentateurs n’hésitent pas à dire au moment de la sortie de cet album qu’il est meilleur que ce qu’aucun vrai Beatle n’ait réalisé depuis des décénies !

Révélation californienne du milieu des années 90, Eels, le groupe de Mark Oliver Everett (alias « E »), assume totalement un retour à une pop concise et propre. Le groupe (souvent comparé à Beck) profite alors pleinement aux USA du soutien des radios alternatives… et de trois nominations aux « MTV Video Music Award » pour le clip du hit « Novocaine for the Soul ».

Après la dissolution du séminal Uncle Tupelo qui conjuguait rage punk et country, Jeff Tweedy fonde Wilco. Un premier album anodin et soudain, avec ce splendide « Being There », le groupe explose véritablement et prend une envergure artistique énorme !… Un double album au carrefour de multiples influences : rock, country-folk et pop à la Beatles.

Jakob Dylan, le fils de Bob, forme les Wallflowers en 1990. Après l’échec de leur premier album (qui leur vaut d’être remerciés par Virgin), le groupe est totalement remanié et T-Bone Burnett, ami de la famille Dylan, produit le second. C’est un succès. « 6th Avenue Heartache » est un hit des radios alternatives. Jakob signe l’ensemble des titres… Une musique solide et un style d’avantage inspiré par Tom Petty que par les chansons du papa !

Screaming Trees joue de malchance avec l’histoire : leurs premiers albums étaient trop précosses, les derniers arrivent alors que leurs petits copains de Seattle sont devenus d’énormes stars et occupent le terrain… Mais quel talent, quel groupe ! « Dust » est une merveille, solide comme du bon vieux rock, mélodique, incluant aussi quelques originalités discrètes (sitar indien sur « Halo of Ashes »).

Une belle originalité de la seconde moitié des années 90… Cake décroche un hit underground, « The Distance », qui va largement dépasser le public branché des colleges américains. Pour le reste, le groupe propose un cocktail humoristique où dans la plus grande décontraction se croisent les styles les plus divers : clichés rock, rap et country, influences jazz, post-rock… et accessoirement rythmes de polka !

Bernard Allison est bien le digne héritier de son père… le grand Luther Allison. Il se détache néanmoins de ce dernier avec des influences qui vont plus lorgner du côté d’un Stevie Ray Vaughan que d’un B.B. King. Avec son troisième album, Bernard mélange les styles et notamment le blues et le funk, voire même le hip hop à certains moments… Le résultat peut déçevoir les puristes, mais « Funkifino » reste un album intéressant. Bernard Allison ne se fige pas dans le passé et prouve qu’il a l’audace d’innover Chroniqué par Pierre-André Bague

Un album plutôt calme, souvent acoustique… une forte coloration celtique, mais aussi cajun, country-blues… des arrangements parfaits… Un disque magnifique et une grandiose leçon de guitare, dont Mark Knopfler est définitivement un grand maître.

Après une nouvelle pause discographique, la grande rockeuse est de retour. Marquée par plusieurs décès dans son entourage, dont celui de son mari Fred Smith (MC5), elle produit cet album – son meilleur peut-être depuis « Easter » – à l’ambiance plutôt sombre. Elle est entourée ici, notamment, par John Cale (Velvet) et Jeff Buckley.

Après la séparation de Jane’s Addiction en 91, son leader-chanteur Perry Farrell poursuit l’exploitation de la même veine musicale avec son nouveau groupe. Sur ce remarquable second album, à la tonalité générale plutôt folk-cool et spatiale, il invite ses copains de Red Hot Chili Peppers, le bassiste Flea et Dave Navarro (ex-Jane’s Addiction), et des membres de Love And Rockets.

Un très bon exemple de ce que les « dinosaures du rock » peuvent produire de meilleur en s’inspirant de l’air du temps et en tirant profit de toutes les avancées techniques. J. J. Cale est aux manettes, joue de pratiquement tous les instruments, sans oublier, évidemment… la guitare ! pour un album absolument parfait.

Avec ses rythmiques répétitives, à la limite de la Techno, ses envolées lyriques au clavier, et ses riffs de guitare très lourds, « Herzeleid » fait découvrir au monde entier le groupe qui va devenir la référence de l’industrial-metal allemand. L’originalité de l’album fait de plusieurs chansons des hymnes du groupe en live (« Asche Zu Asche », « Du Riechst So Gut » et le très étonnant « Seeman »). Chroniqué par Jérôme

Après avoir tourné depuis 1988 sous le nom de « Because Because Because », Matthew Caws (guitare) et Daniel Lorca (basse) s’adjoignent les services du batteur Ira Elliot. Le groupe changent de nom et emporte l’adhésion de Ric Ocasek pour la production d’un premier album qui séduit aussitôt MTV et les college radio. Une formule énergique et proche du power-pop des années 70/80, et pas mal d’humour…

Autour du travail de son batteur-producteur, John McEntire, Tortoise construit de fabuleux univers musicaux. L’interaction des instrumentistes est un modèle du genre. On pense inévitablement au krautrock, à l’ambient, aux expérimentations électroniques minimalistes et cool jazz du passé. Mais Tortoise est bien un groupe du présent, un indispensable essentiel (pléonasme volontaire !) du rock indie.

Lorsque paraît son premier album en 1992, Ocean Colour Scene fait figure de has been complet ! Et puis Oasis déboule, Paul Weller en solo connaît un énorme succès… La voie médiatique est ouverte, et le groupe se retrouve sous les feux de la rampe au moment de la sortie de cet excellent album qui doit autant aux dinosaures (Kinks, Small Faces) qu’à des protagonistes plus récents du rock anglais comme Traffic.

Beck brasse toujours autant de styles musicaux différents, souvent même au sein d’un même titre : noise, pop, jazz, soul, rap, country… ! Bricoleur techno de génie, il fait d’Odelay un album monumental qui fourmille d’idées en tout genre. Il s’impose alors évidemment comme l’un des incontournables maîtres du rock californien de la décénie.

Tout d’abord remarqué par David Bowie, Placebo, avec la figure androgyne et emblématique de Brian Molko, connaît un début de carière sur les chapeaux de roue (premier album disque d’or en Angleterre). Une formule trio rock de base. Un excellent premier disque énergique, à mi-chemin de Nirvana et de Radiohead.

Premier album du quartet finlandais, « Plays Metallica by Four Cellos » est un ovni du heavy metal, qui a vite fait de convaincre même les plus sceptiques fans du groupe légendaire. En proposant des reprises classiques des plus grands morceaux de Metallica, Apocalyptica a inspiré le groupe pour son album « S&M; », enregistré avec un orchestre symphonique. Chroniqué par Jérôme

Roots marque certainement l’apogée de Sepultura. En gardant ses connotations « World » (participation des Indiens Xavantes et du percussionniste Carlinhos Brown), le groupe retrouve sa vitesse, la fusion est parfaitement consommée. C’est aussi la fin d’une époque puisque Max Cavalera va partir (pour former Soulfly)… Sepultura reste une référence incontournable du death et du black metal des années 90.

L’énigmatique Gérard Manset fascine, impressionne ses pairs… Ce très bon album hommage est réalisé à l’initiative de Cabrel et d’Alain Bashung. Onze artistes (Jean-Louis Murat, Nilda Fernadez, Cheb Mami, Françoise Hardy, Salif Keita, brigitte Fontaine…) chantent Manset. Réaction de l’intéressé : un brillant mutisme… mais il est vrai que tout autre signe aurait sans doute écorné la légende !

Deux ans et quelques mois après la sortie de « Dubnobasswithmyheadman », un peu moins chanté, un peu plus électronique, « Second Toughest in the Infants » est une seconde réussite. Mais l’événement d’alors est ailleurs : le single « Born Slippy » (qui ne figure pas sur l’album) fait un carton et sera un peu plus tard l’un des titres phares de la B.O. du film Transpotting.

Tandis que l’Angleterre retrouve le charme des mélodies pop d’antan, Skunk Anansie déboule au mileu des années 90 avec une rage toute nouvelle. Le quartet multi-racial est emmené par Skin, sa chanteuse black à tête rasée. Pour donner forme au contenu musclé et politisé de ce second album le groupe fait appel à Garth Richardson, le producteur de Rage Against The Machine.

Délicieusement rétro et délirant (on est heureux d’apprendre sur la jaquette du CD que son contenu est « STEREO » !), « Take It from the Man! » est un autre sommet représentatif du groupe, avec « Their Satanic Majesties », mais sensiblement plus électrique que ce dernier. Plus qu’une addiction béate aux stars passées, la résurection du son des années 60 apparaît comme une autre façon d' »assassiner les pères »… pour accéder à une remarquable liberté d’expression !

Une formule rap-soul qui tranche à ses débuts avec la mouvance hip hop par l’utilisation de vrais instruments. Tandis que le premier album du trio Lauryn Hill – Wyclef Jean – Pras Michel passe inaperçu, « The Score » est une véritable bombe au succès phénoménal… Un éclectisme musical tous azimuts, un discours social et une production remarquable distinguent ce très bon album.

Véritable gang ou tribu californienne (une quarantaine de musiciens vont se succéder au sein du groupe dans les années 90 !), The Brian Jonestown gravite surtout autour du guitariste-chanteur Anton Newcombe et du bassiste Matt Hollywood… Farouchement indépendant, le groupe se distingue par un attachement original – et quasi obsessionnel ! – au psychédélisme des années 60 et aux Stones de cette époque.

Pour employer un (trop) raccourci facile, on pourrait définir Belle & Sebastian comme héritiers de Simon & Garfunkel et des Smiths. Le groupe écossais choisit pour nom le titre de la série télévisée française… étonnant, mais assez représentatif d’une substance intimiste et touchante. Ce premier album à la diffusion confidentielle sera surtout découvert par la majorité après le succès de son successeur immédiat, « If You’re Feeling Sinister ».

Cibo Matto est constitué autour du duo féminin Miho Hatori/Yuka Honda, deux japonaises qui se rencontrent et travaillent ensemble à New York. Sur un fond trip-hop, le groupe mêle des éléments rap, jazz et pop. Influencé musicalement par Yoko Ono, Cibo Matto va tourner avec Sean Lennon (son fils) à la basse et Russell Simins, le batteur de Jon Spencer Blues Explosion. Lennon deviendra ensuite membre à part entière du groupe.

Rares sont les musiciens qui peuvent se vanter d’avoir eu une influence sur pratiquement toutes les musiques du XXè siècle… et Leadbelly en fait partie. Jouant du blues et du folk, c’est en prison qu’il est découvert par Alan Lomax de la bibliothèque du Congrès qui lui propose de le faire sortir pour l’enregistrer… Par la suite Leadbelly enregistrera pour d’autres maisons de disques, enrichissant sont répertoire de futurs standards incontournables que de nombreux artistes tel que Little Richard, Pete Seger, Bob Dylan, Led Zeppelin, Rory Gallagher, CCR, Nirvana… n’auront de cesse de proposer leur propres versions. Chroniqué par Pierre-André Bague