Au delà du virtuel score sans appel infligé à la capitale par la ville portuaire de Hull (!), The Housemartins est une institution britanique et l’une des réussites historiques du rock indépendant. Après deux albums remarquables proches des Smith, le groupe se séparera pour écrire, dans le prolongement, une histoire toute aussi intéressante qui prendra pour nom The Beautiful South…

Un son cristalin, propre… une pop aérienne, totalement formatée pour les radios… les Go-Betweens font recette, sans pour autant décrocher jamais de véritables hits. Ca rappelle souvent les Byrds, voire Simon and Garfunkel. C’est magnifiquement fait.

L’autre Genesis, celui de la prédominance de Phil Collins, celui des tubes planétaires. Tout cela n’a plus grand chose à voir avec l’épopée artistique du rock progressif des débuts. Mais la notorité est immense, la réussite commerciale aussi. Le groupe n’est alors plus qu’un trio : Phil Collins, Tony Banks et Mike Rutherford.

Installé à Nashville, Steve Earle s’inscrit dans une lignée rock très américaine : country/rockabilly/Creedence/Springsteen… Il s’affirme très vite comme un remarquable compositeur et ce premier album est une véritable bombe dans son genre (Bruce Springsteen, himself, en aurait acheté 10 exemplaires dès sa sortie !).

Robert Cray jugeait le blues ringard jusqu’à ce qu’il voie Albert Collins jouer dans son lycée. On dit de lui qu’il a inventé le « Blues FM », mais Robert Cray montre avec ce « Strong Persuader » qu’il n’a rien à envier à ses contemporains. Resté longtemps dans l’ombre de Stevie Ray Vaughan ou autre Gary Moore… il lui faudra attendre ce 5ème album avec son tube « Smoking Gun » pour obtenir la reconnaissance mondiale et voir son nom rejoindre les grands… Chroniqué par Pierre-André Bague

Après 11 albums en 9 ans, dont une grosse poignée de chef-d’oeuvres (les 8 premiers au moins !), Elvis Costello (alias Declan Patrick McManus) publie un nouvel essentiel. Enregistré sans les Attractions, mais avec des musiciens de studio de Los Angeles, l’album a une coloration country californienne. On y trouve une belle version du « Don’t Let Me Be Misunderstood » des Animals.

Peter Case appartient avec The Nerves à une certaine légende américaine. Il connaît ensuite le succès avec les Plimsouls. Mais malgré ces brillants antécédents sa carrière solo n’explosera jamais vraiment. Cet artiste, culte pour beaucoup, cérébral parfois opaque, sait aussi se rendre très accessible comme avec ce premier album, où l’on retrouve une belle brochette d’artistes : Roger McGuinn, John Hiatt, Jim Keltner et T-Bone Burnett qui assure la production…

Avec une formule métal-pop hyper efficace, croisement génétique entre des guitares Van Halen et le gros coeur de Bruce Springsteen, Bon Jovi s’assure une audience mondiale considérable à partir de ce troisième album. Généralement considéré comme le meilleur, « Slippery When Wet » contient en effet les titres qui vont devenir les standards essentiels du groupe en concert.

Parfois oublié des anthologies, Big Black est pourtant un groupe charnière. Punk dans la démarche, indie intégral, sans aucun tabou au niveau des textes, Steve Albini est l’un des premiers tenants de la combinaison guitares metal/boîte à rythmes qu’on retrouve dans l’industrial. Le groupe se sépare rapidement après deux albums, mais on retrouvera Albini à la console et la production de quelques chef-d’oeuvres (« Surfer Rosa » des Pixies ou « In Utero » de Nirvana).

« This Is Big Audio Dynamite » avait été une surprise, mais une grosse poignée de titres étaient plutôt décevants. Le deuxième album, qui développe et confirme le style, est nettement plus convainquant. Mick Jones et Joe Strummer sont réconciliés, l’ex-complice des Clash vient même prendre une part très active en co-écrivant plus de la moitié du matériel et co-produisant l’album.

Quorthon, le furieux chanteur de Bathory, apparaît à la fin des années 80 comme une incarnation même du black metal. Les amateurs de metal extrême tournent alors les regards vers la scandinavie d’où déboule, comme un torrent de lave en fusion, la nouvelle invasion viking ! « Under the Sign », album de référence, marque pour le groupe une avancée notoire où la technique et le professionnalisme servent un contenu sans le moindre répit… à couper le souffle !

Le succès des Go-go’s donne des idées à d’autres groupes féminins californiens. Et les Bangles s’engouffrent dans la brêche avec un gros succès au milieu des années 80. Après un premier album influencé par les Mama’s and Papa’s, « Different Light » confirme la qualité du groupe. Prince écrit spécialement pour elles « Manic Monday », mais les filles savent aussi composer. Le groupe qui comprend les soeurs Vicki et Debbi Peterson, Susanna Hoffs et Micki Steele (ex-Runaways), va cependant vite décliner.

L’album essentiel des Bad Brains ! (on le compare parfois à ce qu’à été « London Calling » pour Clash)… Rageur ou soudain étonnement mélodique, il se distingue par une très grande diversité de styles. C’est en tous cas, incontestablement, un très haut sommet !

« No Parlez », soigneusement promu par une giganstesque tournée mondiale, se vend à 10 millions d’exemplaires… Paul Young reprend ensuite le chemin des studios et fait à nouveau preuve de flair en allant puiser dans le répertoire de Hall & Oates « Everytime You Go Away », un titre qu’il transcende totalement. « The Secret of Association » égale son prédécesseur par la qualité de réalisation et Paul Young montre qu’il n’est pas seulement un grand interprète mais qu’il sait également composer.

Le duo électronique suisse Yello se compose du compositeur/arrangeur Boris Blank et de Dieter Meier, un riche industriel, joueur invétéré et membre de l’équipe nationale helvétique de golf. Un acoutrement rétro de l’entre-deux guerres et une forte influence dadaïste leur confèrent une originalité certaine. Avec les hits « Oh Yeah », « Desire » et « Vicious Games », « Stella » est leur plus gros succès commercial, c’est aussi probablement leur meilleure production… les deux correspondent parfois !

En gardant une puissance intacte, « This Is the Sea » se distingue par son raffinement et sa majestuosité orchestrale, le sax d’Anthony Thistlethwaite, les cuivres et le violon de Steve Wickham. Grand sommet de l’album, l’énorme « The Whole of the Moon » est un hit en angleterre. Bien qu’il soit infiniment soigné, cet album conserve une certaine rugoristé proche parfois des Pogues ou, plus souvent, de Bob Dylan dans ses moments éléctriques les plus déchirés.

« Rain Dogs » s’inscrit dans la continuité du précédent « Swordfishtrombones ». Tom Waits y décline sur un double album la formule hallucinée devenue sa marque de fabrique. Il s’agit de l’un de ses albums les plus aboutis, même s’il est peut-être d’un accès un peu difficile. On ne peut s’empêcher de penser à un autre grand halluciné : Captain Beefheart.

Toujours original dans le style et l’orchestration, Violent Femmes poursuit son exploration et sa remarquable capture des préoccupations des teenagers de son époque, avec des textes souvent très durs. La notorité du groupe s’installe durablement. Parmi les musiciens additionnels on relèvera ici la participation de John Zorn (Saxophone et effets sonores).

Ce premier album éponyme marque d’emblée l’émergence d’une nouvelle grande personnalité féminine. Soutenue par une orchestration essentiellement acoustique et discrète, la poésie de Suzanne Vega la fait comparer à Joni Mitchell, mais plus encore à Leonard Cohen pour son observation de la vie. « Marlene On The Wall » est un succès sur les college radios, et la chanteuse est aussitôt adoptée par le milieu étudiant américain.

Après deux albums excellents Stevie Ray Vaughan souhaite étoffer le son du groupe. Il fait alors appel au clavieriste Reese Wynans qui rejoint ici Double Trouble. Sur cet album Stevie Ray Vaughan se veut éclectique, du blues pur et dur « Ain’t gone n’ give up on Love », au jazz « Gone Home » en passant par la soul « Life without you ». « Soul to Soul » est l’album le moins blues de la carrière du guitariste texan, ce qui ne l’empêche pas de rencontrer le succès et même de reçevoir une récompense pour l’instrumental « Say What ! » Chroniqué par Pierre-André Bague

Sans doute la meilleure réalisation du duo Paul Weller/Mick Talbot. La diversité est toujours au rendez-vous, avec des accents parfois latino. Un ensemble hyper mélodieux (qui pourrait rappeler le Chicago de deuxième époque) où l’on trouve toutefois quelques titres plus musclés que sur « Cafe Bleu »… et bien sûr le grand hit qu’est « Shout to the Top! ».

Le groupe Police se sépare au sommet de sa gloire. Avec ce premier album solo assez diversifié, Sting revient essentiellement à ses sources, le jazz. Magnifiquement chanté et orchestré… des textes à forte teneur sociale (le chômage, la drogue, le nucléaire, la guerre…)… le style Sting est né !

Figure de proue du rock indépendant, The Smiths n’en connaissent pas moins pour autant un succès immédiat et colossal avec ce second album. Morrissey assène les couplets acides où il défend les intérêts de la classe ouvrière, tandis que la guitare de Marr rappelle le son des Byrds.

Formé à Leeds en 1980 autour du chanteur Andrew Eldritch, les « Soeurs de la Miséricorde » vont se faire un nom avec une recette hybride à mi-chemin du punk et du metal, des textes sombres et des rythmes dansants. Originalité pour un groupe de metal : ils n’ont pas de batteur mais utilisent des boîtes à rythmes.